República de Cartagena

ABIGAIL LAZKOZ & FERNANDO RENES en LANAVAL. 7.09.2010

2010-09-06T11:34:00.003+02:00

LA NAVAL

Del 7 de septiembre al 24 de octubre de 2010

Inauguración: 7 de septiembre a las 20h

Muralla del Mar, 1. 30202 Cartagena

ABIGAIL LAZKOZ

Arqueología de verano con perro y pájaro

Esta obra consiste en una intervención específica para la fachada de La Naval, en Cartagena. En primer lugar, la obra es un homenaje a la vitalidad gráfica de la calles de NY, ciudad donde vivo, donde, en plena era digital, el papel ocupa un espacio singular dentro de la comunicación ciudadana. Tanto las paredes de los edificios como el mobiliario urbano son literalmente empapelados con todo tipo de mensajes, flyers, pasquines a través de los cuales la gente busca o vende cosas, informa de eventos e intercambia datos de interés de su realidad local. Por esa razón, cada vez que uno se pasea por un barrio distinto se encuentra rodeado de un paisaje de papel que se ajusta a los usos estéticos y linguísticos de la comunidad que lo produce.

Todos los posters que conforman la obra han sido recogidos durante este verano de 2010 y constituyen un registro de efemérides de lo acontecido en la ciudad, desde el mundial de futbol, a las mascotas desaparecidas. Como contrapunto a esta arqueología neoyorquina descontextualizada en la Naval los posters se combinan con mi aportación “pasquinera” a las paredes de Cartagena.

Perro y Pájaro son dos criaturas de papel, circunspectas e indolentes, dispuestas a acompañar a los cartageneros el rato que haga falta.

FERNANDO RENES

Haikuanimation

Es una animación creada en el 2010, tiene una duración de 1 min 20 seg, pero la intención es que se vea en loop. Trato de recrear un neón, tanto la estética como la dinámica, pero desde un modo casero, imitándolo con acuarelas y pastel, se podría hablar de un neón hecho desde la austeridad y economía de medios. Cuando me plantearon hacer algo para La Naval, me pareció que sería una buena idea hacer esta animación, creo que podía encajar, a la vez como mensaje y como propuesta estética. La idea de exponer en una galería que está "abierta" 24/7 se adecuaba perfectamente a la propuesta de tener un neón simulado, con su mensaje incansablemente expuesto. Lo que dice el mensaje es: "Todos somo luminosos... Disfrútalo", en español y en inglés. Esta animación entraría dentro de lo que llamo mi serie de "Haikuanimations", en las cuales suelo tratar una sola idea, que intencionadamente quiero que se repita en loop, a modo de mantra. En este caso hago alusión a lo luminoso que tenemos cada uno dentro, y como creo que tenemos que disfrutarlo. A veces esto se nos olvida, o nunca nos hemos dado cuenta de ello, y nos centramos más en lo oscuro que tenemos dentro, que a veces tanto sufrimos, y a veces hacemos sufrir. Me gustaría poder contribuir a una transformación espiritual que creo como especie necesitamos. Acabar diciendo que mi propuesta se redondeará con la publicación por parte de La Naval de un flipbook que recoge la animación, con el cual se puede recrear la mecánica de esta propuesta.

ÁNGELA ACEDO Y JUANA JORQUERA EN PALACIO DE MOLINA, CARTAGENA.

2010-05-29T23:51:00.002+02:00

En otoño de 2007 las pintoras Ángela Acedo y Juana Jorquera tomaron un tren desde su ciudad, Cartagena, hasta el sitio más lejano al que les podía llevar ese medio de transporte: la ciudad francesa de Montpellier.La estancia no fue muy larga y sus circunstancias no nos interesan demasiado porque el verdadero viaje se desarrollaría en los siguientes meses en los estudios de las artistas, recreando, alargando y viviendo unas distancias menos tangibles pero mas fascinantes, unos kilómetros hechos de memoria, deseos y sueños, recorridos sobre pinceles en vez de raíles, sobre un mapa de lienzo y propulsión al óleo.Podemos ver en las obras que forman esta exposición cómo la realidad no es algo tan mensurable como pensamos, cómo la experiencia de cada uno hace que un mismo objeto, hecho o circunstancia sea tremendamente diferente según el color con que se mira, o los ojos con los que se pinta.Aquí no veréis Cartagena ni Montpellier, ni un tren ni un trayecto, ni humo, carbonilla ni chispazos eléctricos: apenas un licor doblemente destilado en una botella en la que caben todos los barcos del mundo. Destino: el país de la Pintura.

CHARRIS EN T20 MURCIA 27.5.2010

2010-05-24T17:58:00.002+02:00

Jueves, 27 de mayo de 2010, a las 20h

Inauguración de la exposición de Ángel Mateo Charris

Who’s Afraid of the Turner Prize?

Galería T20 C/Vitorio, 7 Murcia 30003

www.galeriat20.com

No es la primera vez que Charris se acerca en sus obras a los engranajes del mundo del arte, desde las ferias a las grandes bienales o del caprichoso vaivén de los ismos a las citas y referencias a todo tipo de artistas clásicos o contemporáneos. Ahora dedica un ciclo completo al siempre polémico premio Turner, probablemente el certamen de este tipo más conocido mundialmente junto al Hugo Boss.

–¿Quién le teme al premio Turner?

–Probablemente tanto los alérgicos a la contemporaneidad como los talibanes de la pureza estética, la gente con poco sentido del humor y los que temen que les muevan la silla de sus certezas, cosa que entiendo porque es una cosa muy molesta.

–Pero tú mismo pareces verlo con toda la ironía del mundo en esas exhibiciones caninas en la nieve…

–Yo puedo ser todo lo escéptico o crítico que quiera con toda la parafernalia que conlleva este mundo: el esnobismo, los intereses creados, el sistema de castas, la superficialidad y todo eso pero al fin y al cabo yo también estoy en él y no deja de ser el aliño de la ensalada, puedes echarle o no a tu gusto. Y detrás de la alfombra roja y el cóctel de la inauguración hay artistas, algunos muy buenos, intentando descifrar el mundo lo mejor que saben.

–En la serie principal que presentas en esta exposición hay 25 piezas, casi todas en papel, que titulas con los nombres de todos los ganadores del Premio Turner, ¿se trata de un homenaje a estos autores?

–No, ni tampoco una parodia. Es algo más egoísta que eso, porque al final lo que trato es de descolocarme poniéndome algunas zancadillas y que mi obra se beneficie de no estar soportando mis obsesiones todo el tiempo. Ser otros para poder seguir siendo yo.

–¿Qué tipo de proceso has seguido para ello?

–He intentado acercarme a la obra de todos esos artistas tratando de hacer mío su universo de intereses, sus procesos creativos y pasarlos por el filtro de mis herramientas y visión propia. No me interesaba producir citas o utilizar aspectos visuales de sus obras ni que resultaran reconocibles en las imágenes. La idea está entre plantar un caballete enfrente de un artista en vez de ante un paisaje y travestirme en Gilbert & George, Damien Hirst o Grayson Perry (hablando de travestidos). O también podría ser como el médium que cede su cuerpo a espíritus ajenos para lanzar mensajes del más allá, aunque siempre se te puede colar un espíritu burlón que te engañe haciéndose pasar por otro.

–¿Y no te da miedo que la exposición sea demasiado dispar o incoherente o, en cierta forma, de renunciar a ti mismo?

–No, y no tengo mucho que traicionar. Ya he dicho otras veces que nunca he intentado tener un estilo, aunque al final irremediablemente te identifican con una manera de hacer, siempre he tratado de usar la pintura de una forma lo más neutra posible precisamente para que me permita tratar todo tipo de cuestiones, ambientes, proyectos… utilizar sus recursos según los voy necesitando, sean de pintores de cualquier época, de ilustradores comerciales, de artesanos, e intentar que la pieza funcione estéticamente. Así que lo único diferente es que he utilizado un guión ajeno para realizar mi película, lo cual no la hace menos personal.

–¿Siempre ganan los mejores?

–En la nómina de todos estos años de este premio hay ganadores que me gustan mucho y otros que me horrorizan, creadores de fuste y otros que me parecen irrelevantes, pero esa no era la cuestión a la hora de hacer estas obras.

–¿Y cuál era?

–La de que la cuestión no es si me gusta o no me gusta. Doy por hecho que aunque muchos artistas no conecten con mis intereses están ahí por algo, porque alguien generalmente inteligente ha encontrado algo interesante en ellos en ese momento y lugar. Así que se trata de ver qué me está diciendo esa obra, intentando separar el grano de la paja, y ver si hay algo en ella que me pueda servir para mi propia experiencia, o en este caso para mi propia obra. Los artistas somos esos tipos que se supone que se pasan la vida pensando en cuestiones en las que el resto de la gente no piensa, cuestiones plásticas, conceptuales, etc; eso es lo que hacemos en esta sociedad, más que fabricar objetos decorativos, aunque también. Vale la pena que te pases un rato intentando descifrar ese crucigrama.

–Pero tendrás tu propia galería de favoritos del Turner.

–Claro que los tengo, tanto en la lista de ganadores como en la de los que quedaron finalistas y no ganaron, pero curiosamente no creo que me hayan salido mejores obras según mi grado de querencia con el artista, muchas veces ha ocurrido lo contrario, y eso está bien.

–¿Y que sentido tiene todo esto en este apartado rincón del imperio?¿Qué tiene que ver un gran acontecimiento global con una exposición en una galería de una capital de provincias?

–Mucha, ésta es una exposición que no creo que se me hubiera ocurrido si no la estuviera haciendo desde y en la periferia. Parece que sean como dos galaxias muy lejanas, como la ceremonia de los oscars y el cine de verano de un pueblo, pero yo lo veo todo como un gran organismo multiforme, un gran pulpo lleno de tentáculos o como el sistema circulatorio: estos grandes acontecimientos son como el impulso mecánico que hace que la sangre riegue todos los tejidos. Lo importante no son los premios ni las grandes bienales, documentas, arcos y todo eso, lo es la cultura del día a día, pero a mí sólo me sirve si ésta forma parte de algo más universal, si tiene un pie fuertemente arraigado en la tierra y otro intentando formar parte del pelotón de cabeza. No quiero enterarme de las cosas en los libros de historia de dentro de un par de décadas por vivir en una esquina medio africana.

–¿Es la eterna lucha entre lo cosmopolita y lo provinciano?

–O más bien entre el chovinista y el esnob, un debate bastante estéril por otra parte. Si las escenas artísticas locales no se conectan con la cabeza, y ahora es mucho más fácil a través de las nuevas tecnologías o la facilidad para viajar, acabamos asumiendo el sentido peyorativo de lo provinciano. Y las patas del pulpo del que hablaba se necrosan con facilidad si no les llega sangre en condiciones. Siempre es preferible discutir si los nuevos nominados del Turner son una basura o no, antes que estar obsesionándose en la cruzada por la subvención perdida o la cuota de poder artístico en tu pueblo. Y lo bueno de estos tiempos es que se puede participar en el debate de la contemporaneidad desde cualquier rinconcito del planeta. Sólo hay que mantener viva la curiosidad y no dar nada por sentado.

MOISÉS RUIZ en LA VENTANA DE GRAS

2010-04-01T10:41:00.002+02:00

El juego de la pintura en cancha doble

2010-04-01T09:00:00.002+02:00

Gonzalo Sicre redobla la belleza de lo banal en «Ni el principio ni el fin», la individual que exhibe en Gema Llamazares (Gijón)

J. C. GEA De todos los caminos de regreso a la plena contemporaneidad que ha ido encontrando la figuración española, el de los llamados «neometafísicos» -un grupo de jóvenes pintores mediterráneos agrupados por Juan Antonio Bonet en la colectiva «Muelle de Levante» hace ya casi dos décadas- se ha revelado como una de los más fructíferos, estables y apetecibles. En primer lugar, por la calidad de la pintura que ha ido deparando; en segundo, por la variedad de posiciones y resultados que, dentro de un clima común que tiene que ver menos con los manifiestos que con las complicidades y las referencias comunes, han ido encontrando sus integrantes; pero, sobre todo, por el modo desenvuelto, carente de todo complejo, inteligente y sin estridencias con que pintores como Ángel Mateo Charris, Joel Mestre, Santi Tena o Gonzalo Sicre han dado cauce a su amor por la pintura y al viejo placer de pintar desde la experiencia de un ojo y un cerebro crecidos en este tiempo; es decir, alimentados por la cultura pop, la imagen cinematográfica, la literatura y el arte contemporáneo, pero puestos al servicio de un lenguaje que asumen con toda la carga de tradición que arrastra y de un espíritu afín al de cierta pintura de la vanguardia histórica.

La de Gonzalo Sicre (Cádiz, 1967), que acaba de inaugurar en la galería Gema Llamazares su primera individual en Asturias, es una de las pinturas más ricas y depuradas dentro de esa atmósfera común. Fiel al gusto de su autor por los títulos que, más que fijar conceptos, predisponen a la sugerencia, «Ni el principio ni el fin» reúne la obra más reciente del pintor afincado en Cartagena, ciudad que junto a Valencia ha ido concentrando por pura afinidad electiva a este grupo de artistas. Quien haya seguido el trabajo de Sicre se encontrará con un mundo perfectamente conocido: paisajes urbanos o suburbiales; arquitecturas cotidianas; luces crepusculares o nocturnas; figuras cuyo anonimato y cuya ausencia casi absoluta de tensión dramática representan el hermetismo que convierte en un misterio incluso los más insignificantes de los seres en las más insignificantes de sus acciones: una mujer que se mueve en la intimidad de su dormitorio; una luz que se enciende en una vivienda o en el luminoso de un hotel; una pareja que camina por la escalinata de un parque; la aproximación de unos faros desde la oscuridad de un túnel o una muchacha que consulta lo que parece un plano en mitad de una arboleda.

Pero, sobre todo, más allá de cualquier adscripción a neometafísicas o neofiguraciones, a vanguardias pictóricas italianas o al realismo de lo suburbano y lo banal que ostenta con toda deliberación la marca de Hopper, lo que el espectador va a encontrar en «Ni el principio ni el fin» es pura pintura: rigurosas composiciones, cuidadas armonías cromáticas, dominio técnico y conceptual al servicio de una concepción del cuadro como recinto en el cual el tiempo se coagula en espacio. Ahí reside la verdadera metafísica que suscribe Sicre; en su forma de participar de lleno en el misterio y el milagro que Velázquez formuló de manera insuperable en «Las Meninas»: la congelación de la realidad cotidiana, mediante su reducción a intemporales valores plásticos, en la realidad paralela del cuadro.

Para practicar ese juego supremo de la pintura, Sicre recurre en esta ocasión a una novedad conceptual respecto a su obra anterior: la duplicación del terreno de juego. Casi todos los temas que aborda en «Ni el principio ni el fin» aparecen organizados en series de dos cuadros en los que el tema aparece reflejado con alguna pequeña variación: la luz, la hora del día, el ángulo de visión, la posición o la actitud de las figuras. Mediante este artificio, parece incrementarse una ambigua tensión narrativa o dramática, que invita a pensar redobladamente -literalmente: dos veces- en lo que ha podido suceder antes o después del momento que recogen los cuadros. Pero lo que ha sucedido o va a suceder es posiblemente lo mismo: nada. O nada importante, al menos. Nada que distraiga de lo que -parece subrayar Sicre mediante su insistencia en estas pequeñas variaciones- está sucediendo realmente en su pintura, que es el acontecimiento de la pintura misma, el descubrimiento, por partida doble en este caso, de la belleza en cualquier tramo del espacio y en cualquier momento del tiempo y, si acaso, la revelación de que el mundo puede ser mirado de nuevo con los mismos ojos con los que el pintor lo mira, lo depura, lo sintetiza y lo transfiere al lienzo. Ojos que reinventan la realidad y crean, dentro de ella, otra realidad nueva.

Originalmente en LA NUEVA ESPAÑA

JUANA JORQUERA en SALA CAJA MURCIA, MADRID

2010-03-31T14:12:00.001+02:00

Brillo Boxes de Javier Arce en La Naval

2010-03-14T20:19:00.000+01:00

En THE NEW YORK TIMES 28.02.2010

2010-02-28T13:06:00.003+01:00

Art Takes Root in Fertile Soil in Spain

Matias Costa for The New York Times The New York Times

An exhibition by the Irish sculptor Eva Rothschild is mounted at La Conservera, a former cannery in Ceutí, in Murcia Province in southeastern Spain.

By ANDREW FERREN

Published: February 28, 2010

“FOUR years ago I would have told you that none of this would be possible here in Murcia,” said José Martinez Calvo, a native of this province in the southeast corner of Spain and a respected art dealer who owns the Madrid gallery Espacio Mínimo. “When my colleagues here told me what they were planning, I told them all to have a Plan B because this was just never going to happen.”

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Murcia, Spain

Well, it happened. On a recent afternoon, Mr. Calvo was standing in a lofty, light-filled gallery dotted with minimalist sculptures by the Irish artist Eva Rothschild at La Conservera, a converted cannery in the little village of Ceutí. Located 10 miles outside the regional capital city of Murcia — and a full five-hour drive southeast from Madrid — Ceutí feels light-years away from trendy, gallery-dense neighborhoods like Chueca in Madrid. But cleaned up and stripped of machinery, the factory’s open industrial spaces make spectacular galleries. And La Conservera, which opened last May, is just one piece of Murcia’s emergence as an artistic center.

Nearly a dozen new museums, galleries and other spaces devoted to creative use have popped up all across the often underappreciated province. Known as Spain’s vegetable garden — the region’s pata negra tomatoes inspire almost the same reverence as the jamón of the same name — Murcia typically makes national headlines only when there is a government battle over agricultural water rights or all-too-frequent real estate scandals surrounding development along the coast.

But in recent years, as government officials across Spain have succumbed to the so-called Bilbao effect — investing hundreds of millions of euros in shiny new arts centers in hopes that urban revitalization would quickly follow — Murcia has taken another road. Instead of putting all its cultural eggs in one high-priced basket, the local government is betting on a decentralized plan to spread cultural riches throughout the province.

The region is also exploiting raw materials: a considerable inventory of abandoned factories, Art Nouveau mansions, convents and churches just waiting for a second life. With renovation costs and start-up budgets that average well under 10 million euros a project, these properties have become the architectural equivalent of found objects converted to high art.

Art is not a new concept in Murcia, where a rich cultural heritage includes Neolithic cave paintings and Roman mosaics, not to mention things that just turn up, like the vast complex of Moorish ruins recently uncovered when construction began on a parking garage. In such an environment the art of today can seem like a blip on the radar.

“The important thing has been to strike a balance between the avant-garde of today and preservation of the past, our patrimony,” said Pedro Alberto Cruz, the culture and tourism minister for the regional government.

With its deep Moorish influences — increasingly resonant as immigration from Northern Africa has swelled — the influence of Islamic art in Murcia is highlighted by the intersection of old and new. Among the successful recent exhibitions was the installation of Anish Kapoor’s “Islamic Mirror,” a faceted concave mirror that reflects a mosaic-like display of countless tiny images, in the Sharq al-Andalus hall of Murcia’s Santa Clara Convent.

Founded by the Moors in the early ninth century, Murcia has all the charms one expects from a midsize Spanish city (population about 430,000) — a massive cathedral with a floridly Baroque façade, rows of colorful houses with elaborate balconies and lots of plazas shaded by orange trees and lined with cafe tables. A lazy river, the Segura, drifts beneath picturesque bridges that link its historic center with more recent barrios on the southern bank. It is in these neighborhoods that exhibition spaces like Espacio AV and cutting-edge commercial galleries like T20, which focuses on emerging artists, share narrow cobbled streets with traditional bakeries and basket weavers.

In the creative spirit of the city, one of the biggest events this year isn’t happening in a gallery, but rather in the Sala Verónicas, a deconsecrated church sandwiched between the remains of Murcia’s 12th-century Moorish wall and the city’s busy produce market. The second edition of the PAC Murcia Biennial, which opened on Jan. 25, is titled “Dominó Caníbal” (“Cannibal Domino”), a reference to how the exposition’s seven successive installations consume and reinterpret one another; each artist will base his or her installation on the one prior so that common thematic and material threads become inevitable.

The first installation is by Jimmie Durham, an American artist of Cherokee heritage whose approach to the former church, where cloistered nuns were once kept from sight, was to introduce the banalities of everyday life: a vacuum cleaner and refrigerator, used tires and empty oil drums. Graffiti covers the whitewashed walls, as tubes and pipes break through them to connect to the outside world. (The next artist, whose installation will open on March 26, is Cristina Lucas, a Spaniard.) Over the course of the year, a concurrent program of fringe exhibitions and conferences, known as OFF PAC, is ongoing at a number of galleries and foundations throughout the province.

Thirty miles south of the regional capital is the ancient Mediterranean port of Cartagena, a walled city that seems more Caribbean than Continental, with a faded, balmy, overgrown charm. In Cartagena, as in the city of Murcia, a sheen of contemporary design overlays grandiose mansions with cake-frosting stucco decoration and curlicue balconies, remnants of an early 20th-century mining boom. The architect Rafael Moneo has just finished resuscitating one of those mansions as the entrance and cafe of the new Roman Theater Museum, which showcases the city’s prime archaeological attractions. Another exuberantly eclectic early-1900s palace is home to MURAM, the regional museum of modern art, which just emerged from a major renovation and expansion in April 2009.

All of this sets the scene for the eighth edition of the roving European biennial Manifesta, which will arrive in Murcia and Cartagena in October. It, too, will occupy some unusual venues, including a former postal headquarters and military barracks. Since it was founded after German reunification, Manifesta has focused on east-west European relations; Manifesta 8 is the first to think north-south and to reach across the continental boundaries to Africa, one of the factors that drew organizers to Murcia, according to Hedwig Fijen, the director of the festival.

“Manifesta needs to take place at the edge of things — on the frontier where cultures meet,” Ms. Fijen said, “and right now, Murcia is one of those frontiers.”

IF YOU GO

HOW TO GET THERE

For dates in mid-March, Iberia has flights from Kennedy International Airportto Murcia with a stopover in Madrid starting at about $800. There is also train service from Madrid (four and a half hours), with fares starting at 44.60 euros, about $60 at $1.34 to the euro, though cheaper fares can often be found on the train service Web site (www.renfe.es).

WHERE TO STAY

Hotel Siete Coronas, Paseo de Garay 5, Murcia; (34-968) 217-774;hotelsietecoronas.com; doubles from 65 euros.

Hotel NH Rincon de Pepe, Apóstoles 34, Murcia; (34-968) 212-239; nh-hotels.com; doubles from 80 euros.

WHERE TO EAT

Restaurant Jota Ele, Plaza Santa Isabel 6, Murcia; (34-968) 220-730; dinner for two, about 55 euros.

La Pequeña Taberna, General Margallo s/n, Murcia; (34-968) 219-840; lunch for two, 30 euros.

WHAT TO SEE

“Dominó Caníbal” at Sala Veronicas, Calle Veronicas s/n, Murcia; (34-968) 221-668; pacmurcia.es; free.

Espacio AV, Calle Santa Teresa 14, Murcia; (34-968) 930-205;www.espacioav.es; free admission.

Gallery T20, Calle Vitorio 27, Murcia; (34-968) 215-801; galeriat20.com.

La Conservera, Avenida de Lorqui s/n, Ceutí; (34-868) 923-132;laconservera.org.

Museo del Teatro Romano (Roman Theater Museum), Palacio Pascual del Riquelme, Plaza del Ayuntamiento 9, Cartagena; (34-968) 525-149;teatroromanocartagena.org; admission: 3 euros.

MURAM, Plaza de la Merced 15-16, Cartagena; (34-968) 501-607;museosdemurcia.com/muram. Through April 25: a survey of Art Nouveau treasures from Barcelona.

EN ESPAÑOL (TRADUCTOR DE GOOGLE)

CASA PARA UN COLECCIONISTA NÓMADA

2010-02-16T18:05:00.005+01:00

Proyecto 8510

'Sin pausas'. El que se quede quieto no sale en la foto. Al menos ese es el propósito del proyecto '8510' del stand de la Región de Murcia, impulsado por la Consejería de Cultura y Turismo, cuyo comisario es Pablo Lag. 8510 que son 8 horas, 5 días y 10 acciones. El stand es un taller abierto de 150 m2 donde cada día dos artistas desarrollan dos proyectos durante las ocho horas 'laborales' de Arco, un auténtico 'workshop in progress' que dicen los entendidos. Diversos formatos, lenguajes y propuestas. Porque habrá de todo: tatuadores, constructores de tanques de cartón, músicos buscando musa, instalaciones móviles, arquitectos nómadas, comunicadores incomunicados e 'inventores' de extraños prismáticos.

El proyecto de Martín Lejarraga se llama "Casa para un colecionista nómada" y podrá verse en esta edición de ARCO el jueves 18 de febrero.

Incluye piezas y colaboraciones de Javier Arce, Sonia Navarro, Fod, Gonzalo Sicre, M & MP Rosado, Miki Leal, Manu Muniategui, Juan Ugalde, Teresa Moro, The Royal Art Lodge, Teresa Tomás, Paco de la Torre, Charris, Julian Opie, Mateo Maté, Eugenio Merino, Eduardo Saro, Ruth Quirce, Daniel Verbis, Sofía Moro, Juan Manuel Castro Prieto, Juan Manuel Díaz Burgos, Ángela Acedo, Juana Jorquera, Rosalía Banet, Damián Flores, Eduardo Balanza, Nico Munuera, Araki, El Tono, Fernando Martín Godoy, Dis Berlin, Gamaliel Rodríguez, Fernando Renes, Abi Lazkoz, Guillermo Martín Bermejo, José Luis Serzo, Miguel Fructuoso, Marcelo Fuentes, María Ortega, Paco Pomet, César Fernández Arias, Tomás Mendoza y otros.

Belén LA NAVAL 2009/2010

2009-12-15T11:15:00.004+01:00

Inauguración

Viernes 18 de diciembre a las 19,00h

EXPOSICIÓN BENÉFICA ESCLERÓSIS MÚLTIPLE

2009-11-19T11:15:00.001+01:00

CHARRIS en ARTE LISBOA 09

2009-11-18T11:07:00.000+01:00

CHARRIS en STANDGALERÍA MARISA MARIMÓN

La 9ª edición deARTE LISBOA, la Feria de Arte Contemporáneo portuguesa, se celebrará en el pabellón 4 de la FIL (Feria Internacional de Lisboa) situada en el Parque de las Naciones, cerca del río Tajo, del 18 al 23 de noviembre de 2009.

FECHAS Y HORARIOS

Preview e Inauguración Oficial: 18 de Noviembre, de las 18:00 a las 23:00 horas

Apertura de la Feria al Público:
19 - 23 de Noviembre, de las 16:00 a las 23:00 horas

Obsesión, 2009. Óleo sobre lienzo. 200 x 150 cm.

Serie FASHP (Fast Acrylic Small Hole Paintings), 2009. Acrílico sobre lienzo. Todos 33 x 46 cm.

GONZALO SICRE EN GALERÍA TRAMA, BARCELONA

2009-11-10T19:30:00.003+01:00

Gonzalo Sicre en Galería Trama, Barcelona.

Inauguración: Jueves 12 de noviembre a las 20h.

Galería Trama

Petritxol, 8

Barcelona

FOTOS PARA PAPELES · 7.11.09

2009-11-08T12:23:00.001+01:00

EL ARROJO DE LA SOMBRA

2009-11-07T11:52:00.000+01:00

El arrojo de la sombra
Paco de la Torre
Galería Antoni Pinyol
Reus. 6 de noviembre. 2009

La galería catalana Antoni Pinyol expone la obra reciente del artista Paco de la Torre (Almería, 1965). Su nueva serie pictórica está basada en las conexiones entre los procesos automáticos y la arquitectura. Una reflexión sobre el ilusionismo de la geometría y el poder de la sombra.
Estas dos líneas de investigación en las que trabaja De la Torre -la memoria y el automatismo- se yuxtaponen arrojando nuevas imágenes en sus lienzos. “Mi devenir necesita de una representación para orientarse”.

Construcción de la memoria
Paco de la Torre desarrolla su sensibilidad hacia la arquitectura en Almería, donde pasó su infancia rodeado de la obra del arquitecto racionalista Guillermo Langle. Una arquitectura que permaneció anónima e invisible hasta que una necesidad brusca se le reveló inesperadamente. Un proceso de búsqueda sobre el origen de una obsesión por la arquitectura fraguada a la sombra de la obra langliana. En 2005 Paco de la Torre inicia un trabajo de recuperación de esta obra, comisariando una exposición-homenaje que incluyó una serie pictórica: “El Arquitecto Invisible”. Esta serie fue su primer acercamiento a la arquitectura racionalista a través de la pintura. Pero las construcciones de corte racionalista ya están presentes en la obra de Paco de la Torre desde su estancia en Milán a finales de los años ochenta ("Tejiendo redes", 1989). La casa cubo de la tradición mediterránea -la casa esencial de cuatro muros, puerta y ventana- conecta automáticamente con los principios racionalistas. Un camino entre la tradición y la vanguardia por el que deambula la obra del autor. Un espacio, también, entre la figuración y la abstracción que comparte con la nueva figuración española.

Automatismo de las formas
El automatismo que destilan los dibujos más abstractos de Paco de la Torre conforman la vía del “marcianismo”, como la denomina el escritor Adolfo Barberá, una línea de trabajo en la que busca darle cuerpo al dibujo en la pintura. Los dibujos son representados en esta ocasión, bien como ausencia de color, bien como paisajes mentales en los que se edifican los proyectos arquitectónicos rescatados de la revista AC. El ornamento propio de los automatismos -patrones mentales que responden a la intersección de la motricidad manual, los restos neuronales y el humor vítreo- se hibrida con la geometría esencial, la forma arquitectónica, perseguida en las obras racionalistas. Y la sombra como nexo entre los volúmenes. Una sombra arrojada, intrépida, osada, sin luz, no siempre ciega.

La sombra arroja luz
La arquitectura sobre la que trabaja De la Torre corresponde al tiempo de vanguardia. Un trabajo de arqueología de la modernidad centrada en la mítica revista AC. Documentos de Actividad Contemporánea fue, en los años treinta del siglo XX, el medio de comunicación de los arquitectos mo-dernos agrupados bajo las siglas GATEPAC. En sus páginas se recogen los hitos del racionalismo en Cataluña y España. Unas construcciones olvidadas por la historia que se convierten por el poder de la pintura de nuevo en iconos. La descontextualización de la fotografía histórica, la recreación de los documentos y la elevación de las edificaciones a partir de planos son las estrategias que utiliza el autor para enfrentarse a la construcción esencial de Sert, Illescas, Mercadal, Gutierrez Soto, Edo, Langle… entre otros. Una pintura que es capaz de hacer visible la imagen dando cuerpo a lo imaginario.
Para la ciencia, la sombra arrojada será la intersección del cono de la som-bra, generado por la línea generatriz y las formas que abraza. Pero la som-bra y el clarooscuro, junto a la perspectiva, son las armas de la pintura Metafísica, otro referente importante en la obra de De la Torre. Una pintura en la que las sombras tienden al infinito, borrando las huellas del tiempo. Donde la geometría se modela por el juego de la sombra, recta y versa, sin hacer distingos entre el atardecer o el amanecer.
La sombra, en este caso, arroja luz sobre el asunto. Una paradoja de las que tanto le gustan al autor de estos cuadros.

INAUGURACIÓN PACO POMET en la MURALLA BIZANTINA

2009-11-07T11:19:00.005+01:00

Paco Pomet, pinturas

El pintor granadino muestra su obra más reciente en la Muralla Bizantina

El viernes, día 6 de noviembre, se inauguró en la Muralla Bizantina la muestra de pintura del artista granadino Paco Pomet. A través de 23 lienzos de gran formato, Pomet nos introduce en su mundo personal donde alterna el humor, el drama el chiste o la ironía, donde lo real y lo ficticio cohabitan, se alternan y enfrentan. En general -dice Paco Pomet- intento hablar de la perplejidad de estar vivo, del continuo placer y desasosiego que produce habitar un mundo que tiene infinitos sentidos y que, al mismo tiempo, no posee ninguno. Todo puede caber en un cuadro pues casi todos los asuntos me interesan.

La formación de Pomet, tras estudiar Bellas Artes en Granada, se ve completada por sus estancias en el Reino Unido y en Nueva York, donde asimila las tradiciones provocadoras del arte actual.

El crítico Fernando Castro Flórez lo describe así: Este pintor, cercano en cierto sentido a otros creadores como Santiago Ydáñez, ciertos cuadros de Curro González, las atmósferas inquietantes de Neo Rauch o, a las propuestas, generadas en otros lenguajes, de Paul McCarthy o de los hermanos Chapman, es, en todos los sentidos, un contemporáneo, alguien que intenta dar cuenta de lo que le asombra, de los acontecimientos cotidianos filtrados por una estilística que tiene algo de grotesco.

Su facilidad para llamar la atención sobre las graves cuestiones que aquejan a la humanidad aparece combinada de forma natural con hilarantes personajes o situaciones que nada tienen que ver con el contexto general.

Pomet - apunta Castro Flórez - no quiere ponernos, como suele decirse, el corazón en un puño, al contrario, lo que sus obras generan es una lúdica deriva de tipo casi onírico; debemos tener la mente abierta a todo, ser capaces de establecer una permanente asociación libre.

PACO POMET. PINTURAS
Muralla Bizantina: del 6 de noviembre de 2009 hasta el 10 de enero de 2010
C/ Doctor Martínez Tapia s/n Cartagena
Telf. 968 50 79 66
De 10,00 a 13,30h y de 17,00 a 20,30h de martes a sábado
Inauguración 6 de noviembre 20,30h.

Organiza: Concejalía de Cultura Ayuntamiento de Cartagena
Colabora: Galería My Name´s Lolita Art

MOISÉS RUIZ: FOTOS PARA PAPELES en LA NAVAL

2009-11-06T12:15:00.006+01:00

Del 7 al 30 de noviembre de 2009

Inauguración/acción: 7 de octubre a las 20h

Galería La Naval.

Muralla del Mar, 1

30202 Cartagena (España)

“Siempre me han fascinado las fotos que los fotógrafos de barrio han hecho para eso que damos en llamar, tal y como dice Moisés Ruiz, “los papeles”. Fotos para papeles. Son imágenes que, al cabo del tiempo, revelan algo profundo del fotografíado. Es sorprendente que eso ocurra, porque, en principio, no hay complicidad entre quien las toma y quien posa; hay veces en que ni tan siquiera se cruzan uno y otro más de dos o tres frases. El resultado es un gesto neutro, ni alegre ni triste, como si el fotografíado estuviera perdido en sus pensamientos y el fotógrafo hubiera captado, sin pretensión de hacerlo, ese momento de huída del mundo. Milagrosamente, cuando el tiempo pasa, encontramos una extraña singularidad en esos primeros planos que conservan las grapas de antiguos pasaportes o de algun otro documento oficial. (…)”

ELVIRA LINDO

“I have always been fascinated by the photos taken by local photographers for what we often call, as Moisés Ruiz says, “papers”, or red tape. Photos for papers. These are images that, with time, reveal something profound about the person photographed. It is surprising that this happens because, theoretically, there is no complicity between the person taking the picture and the person posing for it. Sometimes they do not even say more than two or three sentences to each other. The outcome is a neutral expression, neither happy nor sad, as if the person photographed were lost in thought and the photographer had unintentionally captured that moment of escape from the world. Miraculously, as time goes by, we discover a strange uniqueness in these close-ups that still bear the staples from old passports or some other official document. (…)”

ELVIRA LINDO

Con motivo de la exposición se ha editado un libro con imágenes de este proyecto de Moisés Ruiz y un texto de Elvira Lindo.

ISBN: 978-84-613-4436-9. Español/Inglés. 108 páginas.

www.lanaval.com

SANTA LUCÍA, CARTAGENA.

2009-10-27T17:09:00.003+01:00

SANTA LUCÍA

CHARRIS en TORONTO & MONTREAL

2009-10-27T16:52:00.002+01:00

TIAF & Galerie D’Este, Montreal. Octubre/Noviembre 2009

Si las obras de Ángel Mateo Charris fascinan tanto como intrigan, es porque nos invitan a un peculiar universo donde realidad y ficción colisionan con asombrosa exhuberancia. El espacio pictórico se inscribe en un universo cuasi arquitectónico donde las formas destiladas crean una estética en la frontera entre minimalismo y surrealismo. Por mucho que sus pinturas se integren dentro del realismo figurativo, el artista siempre incluye inteligentemente una dosis de fantasía. La transparencia de la iconografía contrasta con la opacidad semántica hasta confundir lo narrativo con un desconcertante peso simbólico. En esencia, el aparente realismo de las figuras es ensombrecido por la extravagante ambigüedad de las escenas.
Yuxtaponiendo iconos fuertemente codificados tanto cultural (Darth Vader, pitufos o Mickey Mouse) como artísticos (el cerdo de Paul MCarthy) con imágenes familiares (el muñeco de nieve), el artista español traduce su percepción de la realidad. Enfrentado a la visión onírica de De Chirico, Charris, que admite su fascinación por el artista italiano, establece su propia concepción del mundo a través del mestizaje de referencias culturales contemporáneas. La tensión narrativa generada por su hibridación figurativa permite al artista desvelar sus propios puntos de vista sobre lo real, lo humano y lo social.

Excentricidad, incoherencia y contradicciones icónicas entran en un poético diálogo visual que ofrece al espectador un espacio singularmente eficaz para la reflexión. Los cuadros de Charris son ciertamente obras para ser estudiadas atentamente pero, más importante, son obras a través de las que meditar. Si su fuerza simbólica viene de una especialmente audaz enumeración de las referencias culturales y artísticas que dan forma a nuestra cotidianeidad, su eficiencia es el resultado de la potencia narrativa y semántica inherente a cada pieza. Al espectador se le deja sin una clave para la interpretación. Cada uno puede crear su propia narración y relacionarse con las obras a su manera. Por ejemplo, cuando miramos por primera vez Faust (2009), uno no puede más que sorprenderse por el encuentro desproporcionado entre un hombre anónimo con abrigo y una enorme máscara de Darth Vader. ¿Qué estará pensando este moderno Fausto enfrentado con la inmensidad de su propio lado oscuro? ¿Venderá su alma al diablo como el personaje tan querido por Goethe? Sea cual sea la consecuencia de esta confrontación, el vagabundeo de este Fausto parece tan inevitable como el del hombre de Mudanza (2009), cuyo equipaje es tan pesado como la incertidumbre de su identidad.
Es, por tanto, con la ironía, la melancolía y la interrogante existencial, con lo que Charris presenta una personal y particularmente lúcida visión de la realidad. Estamos invitados a penetrar en este fantástico imaginario para echar una mirada tan crítica como mágica a nuestra existencia contemporánea.

Émilie Granjon

Traducción libre

TORONTO
TORONTO INTERNATIONAL ART FAIR 2009tiafair.com · Booth # 106 · Oct 22/26

MONTREAL
GALERIE D'ESTEDel 31.10.09 al 29.11.09

Inauguración: 31.10.09, de 14h a 17h.
1329, AVENUE GREENE MONTRÉAL, (QUÉBEC) H3Z 2A5 CANADA

MÉTRO: Atwater

T. (514) 846-1515F. (514) 8461196

INFO@GALERIEDESTE.COM

www.galeriedeste.com

HEURES D'OUVERTURE

Du mardi au vendredi de 10h à 18h

Samedi 10h à 17hDimanche 12h à 17h
OPENING HOURS

Tuesday - Friday: 10:00 am to 6:00 pm

Saturday: 10:00 am to 5:00 pm

Sunday: 12:00 pm to 5:00 pm

If the works of Angel Mateo Charris fascinate as much as they intrigue, it is because they invite us into a peculiar universe where reality and fiction collide with stunning exuberance. The picture space is inscribed in a quasi-architectural universe where the distilled forms create an aesthetic at the juncture between minimalism and surrealism. As much as the paintings feature figurative naturalism, the artist cleverly includes a dose of fantasy. The transparency of the iconography is contrasted with semantic opacity to confound the narrative with a disconcerting symbolic weight. In essence, the apparent realism of the figures is overshadowed by the extravagant ambiguity of the depicted scenes.
By juxtaposing strongly coded icons both cultural (Darth Vader, Smurfs or Mickey Mouse) and artistic (Paul McCarthy's pig) with familiar imagery (the snowman), the Spanish artist translates his perception of reality. Working counter to De Chirico's dreamlike vision, Charris, admittedly fascinated by the Italian artist, establishes his conception of the world through the metissage of contemporary cultural references. The narrative tension generated by his figurative hybridization allows the artist to unveil his own views on reality, mankind and society.

Eccentricity, incoherence and iconic contradictions enter into a poetic visual dialogue that offers the viewer a singularly efficient space for reflection. Charris' paintings are certainly works to be attentively studied, but more importantly, they are works upon which to meditate. If their symbolic strength comes from an especially audacious iteration of cultural and artistic references that shape our daily lives, their efficiency is the result of the semantic and narrative potential inherent to each piece. The viewer is left without a key to interpretation. It is for each person to create his or her own story and to relate the works to each other. For example, when first looking at Faust (2009), one cannot help but be surprised by the adimensional confrontation of the anonymous coated man with the enormous mask of Darth Vader. What can this modern Faust be thinking, faced with the immensity of his own dark side? Will he sell his soul to the devil like the character so dear to Goethe? Whatever the outcome of this confrontation, the restless wandering of this Faust seems as inescapable as that of the man of Mudanza (2009), whose luggage is as heavy as the uncertainty of his identity.
It is, therefore, with irony, melancholy and existential questioning that Charris presents a personal and particularly lucid vision of reality. We are invited to penetrate into this fantastic imagining to turn a gaze just as critical and magical on our contemporary existence.

Émilie Granjon

Free Translation

GENTE NAVAL

2009-10-25T12:17:00.004+01:00

Gente: Grayson Perry, Peter McDonald, Marina Núñez, Enrique Marty, Martín Lejarraga, Sonia Navarro, FOD, Gonzalo Sicre, Mickalene Thomas, Charris

Londres, Ceutí, Cartagena.

La huella fotográfica en la nueva pintura realista

2009-10-22T13:50:00.005+02:00

El Centre del Carme conecta pintura y fotografía en una muestra que reivindica el nuevo realismo valenciano

La exposición incluye cuadros de gran simbolismo, como 'El abrazo' de Genovés, y otros de Equipo Crónica, Realidad, Heras, Armengol y Boix

VALENCIA, 22 Oct. (EUROPA PRESS) -

El Centre del Carme de Valencia inaugurará hoy la exposición 'La huella fotográfica en la nueva pintura realista. La aportación valenciana', que pone de relieve el influjo que la imagen ha ejercido en la plástica desde los años 60 y durante cuatro décadas, al tiempo que reivindica la singularidad de la creación hecha en la Comunitat por su carga social y cercanía al pop art.

La muestra, que se podrá contemplar hasta el próximo 10 de enero, reúne piezas de un total de 26 artistas, algunas de ellas de un enorme simbolismo, como es el caso de 'El abrazo' (1976), de Juan Genovés, y que ha sido cedida por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. El asesor del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana, Felipe Garín, --que participó en la presentación de la selección junto a la directora general de Patrimonio, Paz Olmos, y la comisaria, Felisa Martínez,-- definió esta obra como 'el Guernica de la transición'.

El espectador también tendrá la oportunidad de admirar, en un recorrido histórico, los trabajos de otros nombres clave de la pintura valenciana y española de las décadas de los 60 y 70, como el Equipo Crónica, Equipo Realidad, Anzo, Antoni Miró, Horacio Silva, Artur Heras, Molina Ciges, Vicente Peris, Armengol y Manolo Boix.

Sus cuadros explirar la realidad desde un punto de vista fotográfico y reducen el protagonismo de lo pictórico, eliminando, por ejemplo, la huella del pincel. El compromiso social y político que impregna muchas de estas obras explica el recurso a la fotografía, un género que es capaz como pocos de captar los sucesivos episodios históricos.

La exposición ilustra también los pasos posteriores que los artistas dieron, una vez superadas las turbulencias políticas provocadas por el franquismo. Así, se refleja cómo en los 90 los autores procuran ser vanguardistas incorporando elementos, asuntos y procedimientos nuevos, lo que les lleva a adoptar una narratividad cinematográfica. Chema López, Ángel Mateo Charris, Victoria Civera o Juan Cuéllar son algunos ejemplos.

Posteriormente y hasta la actualidad, la evolución viene marcada por el uso de las nuevas tecnologías --mediante la aplicación de al informática a la preparación de los bocetos y a otros momentos del proceso-- a la pintura. En este apartado, Soledad Sevilla, Carolina Ferrer y Javier Garcerá son los autores de las piezas más recientes del conjunto.

La comisaria del proyecto resaltó que el objetivo de la muestra es que el público puede acercarse "con nuevos ojos" a una serie de artistas que protagonizaron "una de las transformaciones más coherentes y plurales del realismo contemporáneo". Felisa Martínez recalcó que en la Comunitat Valenciana se desarrolló un movimiento "especial", ya que al mismo tiempo que surgía la visión de los equipos Crónica o Realidad en el centro de al Península estaba trabajando Antonio López, con unas características totalmente distintas.

FUSTER Y AGUILERA CERNI

Tanto esta especialista como Felipe Garín coincidieron en subrayar la importancia que algunos intelectuales tuvieron en la configuración de los rasgos propios del realismo valenciano. Citaron en concreto a Joan Fuster, sobre todo con su ensayo 'El descrédito de la realidad'; los críticos Vicente Aguilera Cerni y Tomás Llorens y el padre Alfons Roig.

Por su parte, Paz Olmos manifestó que la exhibición constituye un "análisis completo y ameno de la obra de autores valencianos que a lo largo de cuarenta años han hecho de la fotografía su motivo de inspiración" y fuente de "poder comunicativo".

Ángel Mateo Charris: September Song, 2002. Óleo sobre lienzo. 200 x 200 cm. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

NICO MUNUERA –ASINCRONÍAS– en el MUBAM

2009-10-22T10:46:00.004+02:00

El consejero de Cultura y Turismo, Pedro Alberto Cruz, presentó ayer la muestra To paint or not to paint, del artista lorquino Nico Munuera, con la que se cierra el ciclo de exposiciones del programa Asincronías que, desde octubre del 2008, ha buscado un diálogo entre presente y pasado a través de los artistas que han participado y la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Murcia (Mubam).En la muestra, que se inaugurará hoy -a las 20.00 horas- y que permanecerá en el Mubam hasta el 10 de enero de 2010, el artista plantea, según Cruz, «una cuestión que es crucial en un momento en el que la pintura parece que está a destiempo y que el pintor parece que tiene que estar continuamente legitimando».

Asimismo, resaltó «la apuesta radical y honesta hacia la pintura» de Munuera desde que comenzó su trayectoria. En la exhibición, se muestran once óleos en los que las tonalidades de color que protagonizan cada una de las obras «han sido extraídas del estudio cromático de los cuadros en cada una de las salas», explicó el titular de Cultura del Gobierno murciano. Además, completa la muestra una intervención sobre las vidrieras y un video instalación.

En el proyecto Asincronías, expusieron su obra cinco artistas contemporáneos junto a la de la colección permanente del Mubam. En concreto, los artistas que participaron junto a Nico Munera han sido Santiago Ydáñez (octubre-diciembre 08), Angel Haro (febrero-abril 09), Eugenio Ampudia (mayo- junio 09) y Monique Bastiaans (julio-septiembre).Munuera, afincado en Valencia desde 1993, donde comienza su contacto con el mundo artístico, en 2008 presentó exposiciones simultáneas en las galerías La Caja Negra y Max Estrella en Madrid, y destacan las tres exposiciones que realizó junto a Hernández Pijuán.

En LA VERDAD

oíza_lorca_arquitectos_poesía

2009-10-22T10:41:00.002+02:00

A un arquitecto le cuesta saber cuándo una cosa es arquitectura y cuándo no lo es. Cuando lo sabe, en la escuela, en cuarto curso o en quinto, tendría que salir. O sea, el profesor tendría que decir: este tío ya sabe…

Esto es lo que dice García Lorca, pero qué bien lo dice!:

“pero qué voy a decir yo de la poesía, qué voy a decir de esas nubes, de ese cielo. Mirad, mirad, miradlas, miradle y nada más. Comprenderás que un poeta no puede decir nada de la poesía. Eso dejádselo a los críticos y profesores. Pero ni tú ni yo, ni ningún poeta sabemos lo que es la poesía. Aquí está. Mira. Yo tengo el fuego en mis manos, yo lo entiendo y trabajo con él perfectamente, pero no puedo hablar de él sin literatura. Yo comprendo todas las poéticas. Podría hablar de ellas si no cambiara de opinión cada cinco minutos. No sé. Puede que algún día me guste la poesía mala muchísimo, como me gusta, nos gusta hoy la música mala con locura…”

“…quemaré el Partenón por la noche para empezar a levantarlo por la mañana, y no terminarlo nunca…”

“si es verdad que soy poeta por la gracia de dios o del demonio, también lo es que lo soy por la gracia de la técnica y del esfuerzo, y de darme cuenta en absoluto de lo que es un poema”

O sea, él dice que hace falta el esfuerzo y la técnica. Pero que hace falta saber lo que es y deja de ser un verso. Cuando la sabes, eres poeta.…el que no domine un oficio no puede construir una forma que surja de una técnica.Luego, el que no se sacrifica, el que no se esfuerza, el que no trata de superarse… un corredor que corre sin esforzarse nunca bate una marca. El esfuerzo es inevitable, inexorable.

(oíza)

SHOWROOM 0809 de Eduardo Pérez Salguero, en la Muralla Bizantina

2009-10-20T10:47:00.002+02:00

"La pintura de Eduardo Pérez Salguero se ha caracterizado, desde un principio, por una aguda reflexión en torno la violencia como elemento constitutivo del sujeto contem- poráneo. En su obra anterior, la atrocidad se manifestaba a través de un trazo expresivo y un gestualismo agresivo que se combinaba con una suerte de “figuración precaria” en la línea de la pintura “callejera” y art brut de los ochenta donde era posible encontrar claras reminiscencias de la obra de Jean-Michel Basquiat. En la serie que ahora se pre- senta, se ha producido un importante cambio que ha derivado en la exploración de un imaginario figurativo vinculado a los medios icónicos de masas y la cultura popular. Un imaginario donde, enmascarada en un halo de puerilidad y aparente ingenuidad, habita y se encuentra emplazada la violencia, la barbarie y la crueldad de lo humano.

Formalmente, el dibujo y el trazo apresurado han sido sustituidos en estas obras por figuras planas compuestas por grandes superficies de color que recordarían ciertas derivas Pop, como la de Tom Wessellman, y que se superponen a fondos-tipo que pro- vienen de la cultura popular del cómic y la estética del videojuego de los ochenta. La utilización del texto, tanto de modo descriptivo, para fijar el contenido de la obra, como de modo expresivo, para manifestar acciones y palabras, casi siempre referidas a la vio- lencia, también hay que buscarla en el ámbito del cómic, aunque parece necesario acu- dir a otros referentes del Pop, como Roy Litchenstein o, incluso, Jasper Johns, también visible en la constante presencia de banderas de una inexistente nación simbólica. Una nación que sería el trasunto de la “América” de la cultura de masas, una América irreal e imaginada, que no se correspondería con un país concreto, sino con una imagen cari- caturizada: el lugar en el que habitan héroes y villanos de toda calaña.

Estas novedades formales, que parecen la lógica evolución de la etapa anterior del pintor, constituyen un peldaño más en la exploración de los límites y lugares de la violencia contemporánea. (...)

Miguel Á. Hernández-Navarro Director del CENDEAC (Centro de documentación y estudios avanzados de Arte Contemporáneo)

Más información en la web del AYUNTAMIENTO DE CARTAGENA

Exposición: SHOWROOM 0809

Fecha: Del 23 de septiembre al 29 de octubre de 2009

Lugar: Sala Municipal de Exposiciones de la Muralla Bizantina de Cartagena

Inauguración: Miércoles 23 de Septiembre a las 20,30

PÉREZ-REVERTE: «Lo peor del mundo son los estúpidos y eso, realmente, no tiene solución»

2009-10-20T10:30:00.006+02:00

«Los políticos son parásitos de nuestra basura, de la que todos nosotros generamos»

ANTONIO ARCO | MURCIA

«No se me escapa ni una migaja de la vida», dice Arturo Pérez-Reverte, que lleva mucho tiempo convirtiendo en oro todo lo que toca, perdido con sus experiencias a cuestas entre el viento, el mar y las almas.

-Escribe diez horas al día. ¿De qué va su próxima novela?

-Estoy disfrutando muchísimo. Pronto aparecerá «Cuando éramos honrados mercenarios», recopilación de mis artículos, y en marzo saldrá la nueva novela de 700 páginas.

-¿Qué encontraremos en ella?

-Un montón de historias y personajes; es una novela con varias tramas que se mezclan y entrelazan: una policíaca, otra de espionaje, otra sentimental folletinesca, otra científica y varias más.

-¿Es una novela histórica?

-No, es una novela muy moderna aunque el escenario de fondo sea histórico. Los personajes son muy actuales. Creo que el lector se lo va a pasar bien con ellos.

-¿Le está costando escribirla?

-Mucho, por varias razones. La primera: ya soy mayor. No tengo la misma energía que hace diez años, y una novela con una trama tan compleja requiere mucho esfuerzo. Todo tiene que parecer muy fácil para el lector, y esa transformación de lo complejo en chupado requiere mucho esfuerzo. Hay mucha acción, es muy potente narrativamente.

-¿Cuál es hoy su reino?

-El único reino posible para un adulto consciente es la lucidez. En un mundo caótico, confuso y lleno de líneas difusas donde nada está claro, el único tesoro que uno puede aportar es la lucidez.

-Lo cual conduce al dolor.

-Claro, pero en la vida hay que elegir entre ser estúpido e indolente como un buey, o lúcido y consciente como un ser humano; no sólo sufres con la lucidez, se puede ser feliz en muchos momentos.

-¿Qué personaje le interesa?

-Realmente, a mí ya sólo me interesa el héroe, el héroe posible, el héroe que lo es llegado el momento. Uno no puede nunca descartar a los demás, porque nunca sabe uno dónde está el héroe escondido. Miro a los seres humanos con curiosidad porque incluso aquellos de los que no espero nada sé que pueden un día darme una sorpresa; los he visto darlas. Busco al héroe.

-Atento a los movimientos de los malvados.

-También. Como entre héroe y malvado la frontera es muy difusa a veces, también me protejo de todos, porque cualquiera de ellos puede ser también un malvado. La lucidez hace que te mantengas vivo en territorio enemigo.

-¿Se acrecienta su pesimismo cuando mira hacia el futuro?

-Soy muy pesimista sobre el futuro, sí, pero es que estoy bien informado. Si se tienen una cultura mediana y una lucidez mínima hay que ser pesimista sobre el futuro, lo que no quiere decir que tengamos que suicidarnos. Sabido lo que nos espera, hay que saber también que existen mecanismos defensivos y consolatorios, y ése es mi territorio, ahí trabajo yo. Trabajo en procurarme a mí mismo, y a aquellos que me rodean y que me leen, los mecanismos que creo que pueden servir para llevar a cabo una humilde tarea de supervivencia.

-¿Qué es lo que más le inquieta de la sociedad actual?

-La estupidez, no tengo la menor duda. El peor mal no es la maldad. Cuando era joven creía que lo peor del mundo eran los malos, pero ahora sé que no: lo peor del mundo son los estúpidos; y eso, realmente, no tiene solución. Un malo puede cambiar o se puede negociar con él, pero un estúpido lo será siempre, no cambia jamás. Cuando un golpe de la vida se lleva por delante a un estúpido no parpadeo demasiado. El peor daño a la Humanidad se lo hacen los estúpidos.

-¿Cuáles son los ideales de los que usted no quiere alejarse?

-Mis ideales tienen que ver con los del perro: lealtad, consecuencia... virtudes que yo admiro. Admiro el valor de asumir aquello en lo que crees, o de apartarte de aquello en lo que no crees. El perro me parece de una humanidad absolutamente respetable.

-¿Está orgulloso de su obra?

-Orgulloso no es la palabra, no, no, no. Solamente los imbéciles pueden decir que están orgullosos de su obra. Lo que no hago es renegar de ella, porque forma parte de mi vida y la asumo. Estoy escribiendo sobre mi vida, y en ese sentido todas mis novelas son autobiográficas sin que ninguna sea una biografía.

Publicado en ABC

Imagen de Juana Jorquera

Martín Lejarraga: "Lo sostenible es una coartada para seguir haciendo lo mismo"

2009-10-17T20:52:00.003+02:00

Martín Lejarraga: Lo sostenible es una coartada para seguir haciendo lo mismo

Por SOFÍA RUIZ DE VELASCO (SOITU.ES)

Lejarraga es de Bermeo, pero vive en Cartagena desde hace años. Allí tiene su estudio, que ha sido seleccionado por el Wallpaper en su lista anual de jóvenes arquitectos. Cree que la arquitectura puede cambiar el mundo a través del trabajo honesto y recurre a una frase de Bartleby para explicar la sostenibilidad: "Preferiría no hacerlo", es decir, no se trata de poner dos placas solares en los edificios sino de dejar de hacer viviendas innecesarias, sean ecológicas o no.

Dices que la arquitectura es como ir a la guerra todos los días, vaya riesgo, ¿no?

Sí, es el riesgo de actuar sabiendo que tus acciones están siempre siendo auditadas y chequeadas y puestas en cuestión. La energía que eso supone, la adrenalina que tienes que generar continuamente para poder estar atento. En la arquitectura hay una parte intelectual y otra que es el negocio, que no me atrevo ni a calificar porque no participo mucho en ese mundo. Pero lo que no es negocio es la guerra, y una guerra cada día más complicada y más difícil porque el ámbito del negocio va ocupando la actividad social y por tanto de la actividad arquitectónica. Las dificultades de sacar adelante cualquier obra son cada vez mayores.

Bueno, pero esa presencia extrema del negocio supongo que revierte en mayores ingresos, en que los proyectos valgan más.

No nos afecta de forma directa. Siempre hay una relación entre la envergadura de la obra y los honorarios, pero digamos que el arquitecto es sufridor de la parte del mercado pero no participa directamente de los beneficios. En realidad, es un límite a la actividad propiamente arquitectónica.

Aún así eres optimista. Hasta crees que la arquitectura puede cambiar el mundo. ¿Cómo?

Algo tan sencillo como hacer el trabajo bien, honestamente y hasta sus últimas consecuencias puede cambiar muchas cosas. La cotidianidad de los trabajos bien hechos hace que la sociedad mejore y que el mundo cambie a mejor. Construir un colegio o un teatro tiene una incidencia brutal en la cultura y en el comportamiento de la gente. Tenemos la capacidad de hacer que las cosas cambien, otra cosa es que seamos capaces de ejercerla o no. Se habla del efecto Guggenheim, situaciones donde una intervención arquitectónica cambia la vida de una ciudad, de un barrio o de una persona. Pero es que no lo hacemos bien.

¿Qué es lo que se hace mal?

En esa área de trabajo marcada por el negocio lo que importa es el dinero, así que todos los que intervienen en el proceso actúan guiados por obtener el mayor rédito posible en su actividad y esto se hace incompatible con una práctica honesta.Has hablado del efecto Guggenheim, que, en efecto, cambió una ciudad, pero ahora ya Bilbao parece un parque temático de premios Pritzker.

El efecto Guggenheim tiene como positivo que ha demostrado que la arquitectura y las actuaciones urbanísticas tienen una influencia muy grande en la sociedad y ahora se trata de trasladar tal cual a cualquier parte y se convierte en una caricatura. La aplicación sistemática y repetitiva en todas partes y en todas las escalas es deplorable y causa un efecto fatal, porque Gehry no lo hace siempre bien y porque los intereses que van ligados son intereses de mercado y la arquitectura se convierte en una excusa absurda.

Frente a arquitectura monumento se encuentra otra digamos 'de guerrilla', de actuación en espacios públicos, de ocupación de espacios vacíos sin observar algunas exigencias legales...

Sí, la situación en muchos entornos concretos hace necesario que las intervenciones tengan ese carácter digamos al límite de lo legal, de lo económico, que tenga una condición efímera, de llamada de atención mediática para poner el foco en determinadas situaciones. Admiro mucho a Cirugeda, por ejemplo, porque sus actuaciones arrancan desde una raíz sociológica entendiendo que los problemas no están en que haya un descampado, sino que está rodeado de chabolas, donde se vende droga, entonces pasan cosas...

Entonces no se trata de hacer en el descampado un jardín de fin de semana sino de actuar en el barrio a través de la arquitectura.

Ambas corrientes conviven y son muy mediáticas.on esferas sociales distintas y todas son necesarias. No hay reglas para cada caso, hay que buscarlas. Cada situación demanda una solución específica. El problema viene cuando se aplica la misma receta para todo: "Tengo un problema. Pues llama a Frank Gehry. No, es que está ocupado. Pues llama a Calatrava. También está ocupado. Pues llama a Moneo". Y ahí ya se ha cerrado el análisis. Tiras de lista y vas viendo quién te contesta y eso es un problema.

Has sido elegido por la revista Wallpaper en su directorio anual. El proyecto que presentaste también se basaba en la ocupación de un espacio vacío...

Se nos propuso la redacción de un proyecto específico: una vivienda que obedeciera a las condiciones sociales y económicas actuales. A mí me sorprendió ver que era de los pocos que había. Todas las propuestas ligadas a Europa, Estados Unidos y Asia no entraban en las preocupaciones que en España tenemos más presentes porque hemos asistido en los últimos años a una degradación muy bestia. Por eso mi proyecto iba en la línea de recuperar un espacio existente. Recuperar una piscina porque es un espacio innecesario y que además, en la zona que yo vivo (Murcia) es insostenible por el tema del agua, por ejemplo. Pero la verdad es que era una cosa rara en el conjunto de las propuestas que se hicieron. Incluso en la maqueta se notaba esta diferencia de preocupaciones. La mía estaba hecha con materiales reciclados, con policarbonatos, con cosas baratas, mientras que en otros proyectos ya solo la maqueta respondía a programas muy específicos con desarrollos en la propia maqueta muy costosos.

Es que quizás en estos momentos "sostenibilidad" sea la palabra de moda en España.

La mayoría de las veces que se habla de estos términos son palabras huecas que intentan dar un barniz a cualquier tipo de intervención aunque luego no tengan nada de sostenibles. Se usa con facilidad e impunidad porque muchas veces se trata de engañar a los demás. La arquitectura de verdad, la arquitectura a secas, ha sido siempre sostenible. Lo demás, lo que entendemos por negocio, nunca ha tenido que ver con eso y ahora tampoco por mucho que le pongan algo más de aislamiento y placas solares. El concepto de sostenibilidad no pasa por ahí pasa por un planteamiento previo mucho más importante que se resume en la frase de Bartebly "preferiría no hacerlo". Lo primero que hay que plantearse es si la intervención es realmente necesaria y en qué términos. Hemos convertido lo sostenible en una coartada para seguir haciendo lo mismo, para seguir construyendo miles de viviendas innecesarias en lugares donde no se debería construir.

Esto, igual que lo que cuentas de las maquetas, provoca un alejamiento entre arquitecto y usuario.

A lo largo de los años, el arquitecto ha ido perdiendo el prestigio de un técnico competente y preocupado por su trabajo. Y ese caudal de profesionales preocupados ha ido desdoblándose en dos ramas: la rama a la que le da todo igual, que van a ser una pieza más del engranaje constructivo y del mercado y otros arquitectos que quieren marcar la diferencia. La sociedad, que es inteligente, rechaza a unos y a otros. A los primeros porque la falta de compromiso la ven en sus viviendas. Y la otra rama, mucho menos numerosa, en su afán, a veces perverso, por hacer las cosas distintas, se queda en todo lo contrario, en tratar de imponer una serie de actuaciones que la sociedad no necesita o no entiende o le resultan caros e inabordables. Y se preguntan ¿no hay una forma de abordar las cosas de forma proporcional, honesta, tranquila, adecuada?

¿Y no la hay?

Sí, sí la hay, pero lo que más llega es que a veces somos desproporcionados. O no llegamos, no nos interesa nada y hacemos lo mínimo o muchas veces en nuestro afán por diferenciarnos sacamos de quicio a la sociedad, porque hacemos cosas que no demanda y muchas veces tampoco las puede pagar y se genera una tensión insoportable entre los dos polos.

¿Qué es para ti entonces buena arquitectura?

Es procurarle bienestar al hombre a través de su entorno. Puede ser un parque, un banco a la sombra, una casa, una biblioteca, un teatro...

Precisamente tú haces desde equipamientos públicos hasta viviendas o proyectos muy pequeños. ¿Qué te gusta más?

Debemos de ser capaces de hacer de todo. No me interesa la especialización. La experiencia en muchos casos es un bagaje que nos viene muy bien pero también te puede venir muy mal y ser una especie de muleta que utilizas para salvar ciertas situaciones y no plantearte otras. Creo en que haya continuidades de trabajos, que coincida que en una temporada haces oficinas, o haces dos colegios, o haces museos, pero a mí me interesa más y me mantiene más atento el hecho de enfrentarme a cosas distintas.

Y entre tanta diversidad, ¿qué tienen en común tus proyectos? ¿Cuál es tu sello?

El mío es no tener sello. No buscar una identidad concreta formal, ni material, ni que me identifiquen con nada específico. Doy una respuesta diferente en cada caso. Aunque esa diversidad de resultados dificulta que a uno le reconozcan, pero creo que volver siempre a la misma referencia es un disfraz y a mí los disfraces no me gustan. Eso sí, siempre basada en una actitud, en la empatía con el cliente, en las necesidades del entorno, en una manera de entrar en el trabajo, pero en la parte formal no tengo un sello.

Hablando de la empatía con el cliente, una parte que me divierte bastante de vuestro trabajo es el 'momento psicólogo': el cliente tiene que hablar con vosotros de sus necesidades y sus anhelos para que vosotros podáis trabajar.

Claro, es imprescindible la empatía. Si no la hay es mejor dejar el proyecto. Hay que ser capaz de entender lo que te están transmitiendo y sobre todo leer entre líneas. Hay que tener la claridad de detectar en un cliente no solo lo que te pide sino también lo que no te pide de forma expresa pero que te está dejando ver a través de su actitud, sus comentarios.

Y después de este trabajo ¿qué sientes cuando ves un edificio tuyo habitado?

Me gusta que los edificios tengan vida propia. A veces su uso supera lo que tú habías planteado, otras veces no te complace mucho. Pero en cualquier caso en el momento que lo acabas el edificio ya no es tuyo. Bueno, mejor dicho el edificio nunca es tuyo. Eso es algo muy de arquitecto. Y es este afán de control el que pone más distancia entre el arquitecto y la sociedad.

SOITU.es

EDUARDO BALANZA: PANASONIA en Galería T20

2009-10-17T18:28:00.003+02:00

Panasonia (por Eduardo Balanza)

Trabajo con la música como materia prima, mezclando política y kitch a través de portadas de discos manipuladas, en las que acontecimientos políticos y problemas sociales se juxtaponen sobre imágenes que vienen de la música ligera y la frivolidad mas inofensiva. Trabajo apropiándome de materiales e ideas que flotan y reposan en el background colectivo para reinterpretarlas y provocar un debate. Hago objetos de cartón, libros diarios collage, radio-performances, videos y fotografías para crear instalaciones. Mi obra es mutante y adaptable.

Empecé a fabricar objetos en cartón al ver que en algunas culturas asiáticas se construyen objetos de cartón y papel que después se destruyen mediante la acción del fuego, para que transformados en humo, pasen a esa otra dimensión, donde los seres queridos puedan disfrutarlos. Es una forma de envío que mezcla consumo y espiritualidad de un modo fabuloso. (...)

Más información en T20 (Murcia)

ABIGAIL LAZKOZ en SALA REKALDE (BILBAO)

2009-10-17T18:08:00.006+02:00

Del 08 de octubre de 2009 al 31 de enero de 2010

La SALA REKALDE presenta Máquinas Extraordinarias, una exposición individual de la artista bilbaína, afincada en Nueva York, Abigail Lazkoz (Bilbao, 1972).

Se trata de una instalación diseñada específicamente para la sala principal y formada por un conjunto de dibujos monumentales en blanco y negro, tanto exentos como en pared, una serie de estructuras tridimensionales que se despliegan sobre el espacio expositivo creando distintas estancias, y un vídeo de animación que remite a los orígenes del cine animado para poner de relieve la expresión del dibujo a través del movimiento.

Comisaria: Leire Vergara

Más información en la web de SALA REKALDE

El Muram acoge un recorrido por el arte español de los últimos cien años en Poéticas del siglo XX

2009-10-10T17:10:00.003+02:00

El Muram acoge un recorrido por el arte español de los últimos cien años en Poéticas del siglo XX

La muestra, que se inaugura el día 8 y permanecerá abierta hasta el 10 de enero de 2010, recoge obras de artistas como Picasso, Gargallo, Barceló, Tàpies, Miró, Saura o Plensa

CARTAGENA.- El consejero de Cultura y Turismo, Pedro Alberto Cruz, presentó hoy (7.10.2009) la muestra ‘Poéticas del siglo XX’ que se inaugura en el Museo de Arte Moderno de Cartagena (Muram) y permanecerá abierta al público hasta el 10 de enero de 2010.

‘Poéticas del siglo XX’ constituye un recorrido, a través de 55 obras de autores como Pablo Picasso, Juan Gris, Jaume Plensa, Pablo Gargallo o Antoni Tàpies, por los hitos fundamentales del arte español del último siglo, explicó Cruz. Así, la muestra “arranca donde finalizaba la anterior, ‘La Era de Rodin’, esto es, en plena efervescencia de las vanguardias y, en definitiva, en el origen de la modernidad española”.

El consejero de Cultura puntualizó que esta exposición propone “algo tan sumamente ambicioso como un paseo por el prolijo, complejo y casi irreductible arte español del siglo XX, desde sus orígenes, alrededor de 1900, hasta llegar a nuestros días”. Todo ello de modo “bastante exhaustivo, por las tendencias y las escuelas más importantes que han protagonizado el devenir del arte español moderno y contemporáneo”.

Esta exposición, según Cruz, construye un “relato coherente” de lo sucedido en España en los últimos cien años, ya que ofrece una imagen “muy fidedigna” de la vanguardia y la modernidad española. En su opinión, se trata de una vanguardia “absolutamente singular y diferente a la del resto de Europa, y que siempre se caracterizó por el diálogo con la tradición”. Así, “por más que fuera arriesgado el gesto de los artistas españoles, siempre había esa especie de permeabilidad hacia la tradición que aparece evidenciada en todas las obras”.

Las primeras vanguardias están representadas por las obras de algunos de los artistas más vanguardistas, como Pablo Picasso, Joan Miró, los escultores Julio González y Pablo Gargallo, Joaquín Torres-García, María Blanchard y Esteban Lisa. Asimismo, se exponen obras de representantes de la Escuela de París -españoles que emigraron a la capital parisina-, como Pedro Flores, Óscar Domínguez, Manuel Ángeles Ortiz, Alfonso de Olivares, María Blanchart o Ramón Gaya, precisó Cruz.

Tras ellos llegó el grupo ‘El Paso’, constituido en 1957 por Rafael Canogar, Martín Chirino, Luis Feito, Juana Francés, Manolo Millares, Manuel Rivera, Antonio Saura, Pablo Serrano, Antonio Suárez y Manuel Viola. Los años 60 están representados a través de las diferentes figuraciones, como la figuración crítica del Equipo Crónica o de Eduardo Arroyo, así como la “más tradicional” de Carmen Laffón.

También se incluyen otros artistas que desarrollaron su obra en los años 50 y 60 como Gerardo Rueda, Fernando Zóbel, Gustavo Torner, Manuel Hernández Mompó, Eusebio Sempere o José Guerrero, representante éste último del expresionismo abstracto americano en España.

La siguiente generación de artistas, que tomaron el relevo de la nueva plástica haciendo una defensa de los lenguajes pictóricos, está representada por obras de Miquel Barceló, José Manuel Broto, José María Sicilia o Jaume Plensa.

Por último, la muestra recoge la obra de creadores más actuales como Juan Uslé, José Manuel Ballester, José Ramón Amondarain, Esther Pizarro, Ángel Mateo Charris, Eugenio Ampudia o Xavier Muñoz.

Recogido de teleprensa.es

TERESA MORO GANA UNA DE LAS BECAS ENDESA PARA ARTES PLÁSTICAS

2009-10-06T19:28:00.004+02:00

El jurado de las Becas Endesa para Artes Plásticas ha anunciado hoy que entregará cinco becas bianuales de 24.000 euros cada una, a Manuel Sonseca (Madrid,1952), Tatiana Medal (A Coruña, 1971), Mayte Vieta (Blanes, Girona, 1971) Teresa Moro (Madrid, 1970) y Maider López (San Sebastián, 1975).

El fallo del jurado, que se ha reunido durante dos días en el Museo de Teruel, se ha llevado a cabo tras el análisis de las 821 solicitudes presentadas a la undécima convocatoria de las Becas Endesa.
El jurado ha estado presidido por el historiador, comisario de exposiciones y antiguo jede de las colecciones del museo Thyssen Bornemisza, Tomás Llorens.
También han formado parte del jurado el crítico de arte y ex director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Juan Manuel Bonet; el pintor José Manuel Broto; la pintora Carmen Calvo; la catedrática de Arte de la Universidad Complutense de Madrid, Estrella de Diego; y los críticos de arte Alicia Fernández, Miguel Fernández-Cid, Daniel Giralt-Miracle, Fernando Huici y Francesc Rodon.
Además de la elección de los premiados, el jurado también ha nombrado como suplentes a Rosell Meseguer (Orihuela, Alicante, 1976) y a Fermín Moreno (Barakaldo, Vizcaya, 1970).

Estas becas surgen de la colaboración entre la Fundación Endesa y la Diputación Provincial de Teruel, y tienen como objetivo fomentar la creatividad en sus diversos campos y apoyar la labor artística, según han informado fuentes de la Diputación Provincial de Teruel.

26/9/2009 - 19:23 · TERUEL, 26 (EUROPA PRESS)

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De Teresa Moro son las ilustraciones de la revista La Naval número 15 y participó también en la exposición Encapsulados que se pudo ver en Cartagena hace unos meses.

CARLOS PAZOS en La Naval

2009-09-29T21:07:00.002+02:00

EN PROCESO · AUDITORIO SANTA BÁRBARA · MARTÍN LEJARRAGA

2009-08-07T12:56:00.003+02:00

Auditorio Santa Bárbara.

Auditorio al aire libre y conjunto escénico.

Puertos de Santa Bárbara, Cartagena.

VISIONES URBANAS. CHARRIS EN SANTANDER

2009-07-25T10:57:00.003+02:00

Siete artistas de reconocido prestigio de España, EEUU y Países Bajos, adscritos a lenguajes y generaciones diversas, protagonizan este año la propuesta de arte en la calle impulsada por la Feria Artesantander. Bajo el epígrafe genérico de 'Visiones urbanas', estos escaparates plásticos de la creación artística del presente, se han convertido en preludio visual de la feria santanderina. Tres espacios urbanos de Santander acogen las obras de los siete artistas, una nómina configurada por las obras de Ángel Mateo Charris, Paloma Peláez, Eduard Resbier, Ellen Kooi, Luis Gordillo, José Miguel Pereníguez, Brian Dettmer. La pintura y la fotografía dominan la base de estos creadores.

El Diario Montañés

Foto cortesía Galería My Name's Lolita Art

ANDREA SANTOLAYA EN LA NAVAL Nº 37

2009-07-25T10:52:00.004+02:00

En el último año la fotógrafa Andrea Santolaya ha estado siguiendo las eliminatorias de los Golden Gloves, una de las competiciones más importantes del boxeo amateur americano. De pabellones perdidos en el Bronx a gimnasios de colegio en Queens, Brooklyn o a la mismísima final en el Madison Square Garden, Andrea ha perseguido los sueños de docenas de aspirantes a la gloria, adolescentes de barrio, emigrantes, hispanos, negros y blancos, unidos por la electricidad del golpe en la mandíbula y la nobleza de una lucha cargada de mitología novelesca y cinematográfica.

MARTÍN LEJARRAGA EN WALLPAPER (Architects Directory 2009)

2009-07-14T13:13:00.002+02:00

LA CASA

Memoria Casa-Piscina es la entrada de Martín Lejarraga al directorio de arquitectos WALLPAPER de este año. El arquitecto experimenta ludicamente con la gran cantidad de piscinas vacías e inutilizas que nos rodean un fenómeno claramente antiecológico y poco sostenible- y los transforma en estructuras residenciales estándar. Viendo las oportunidades que se encuentran en el equipamiento tecnológico de una piscina seca, desde aislamiento térmico a tratamientos del agua y una Buena orientación solar, LEJARRAGA aprovecha al máximo las condiciones existentes, para crear una serie de transformaciones y espacios-piscina rediseñados como estudios, ampliaciones o incluso nuevas casas independientes.

EL FUTURO

Aunque LEJARRAGA ha estado muy interesado en la tecnología y los avances de la ciencia, así como en su impacto en la sociedad y la arquitectura en particular, cada vez valora más la presencia humana en todo el proceso de diseño. "Las personas son la verdadera medida de la arquitectura", explica, "desde la concepción hasta la realización". Interesado en el proceso en sí mismo, y no simplemente el producto final, LEJARRAGA mantiene su visión de que la arquitectura, puede en última instancia, cambiar el mundo. "La arquitectura es algo épico", agrega con orgullo.

LUIS CLARAMUNT EN EL PALACIO MOLINA, CARTAGENA.

2009-07-08T13:21:00.004+02:00

El Paso al Ecuador de Luis Claramunt. ( fragmentos del texto de Francisco Rivas para el catálogo de dibujos de “Los secretos del Mar Rojo”)

…/..Dueño de un perfil inconfundible y acanallado, Claramunt saltaba a la vista, no era un principiante sino un pintor hecho y derecho con un dominio absoluto de sus recursos, que no eran pocos. Era sobre todo, un pintor absolutamente original, cuya obra no estaba aquejada por los típicos guiños a la galería y a las últimas modas. Era uno de esos artistas que rompen el molde al nacer, cuyo carácter les impide adscribirse a escuela alguna y aún menos fundar una propia, un artista solitario, único, lo que no era óbice para que profesara una admiración incondicional a una serie de grandes maestros de los que tanto había aprendido, generalmente de su misma calaña: Daumier, Fortuna, Novell, Soutine…y por encima de todos, Picasso. Frente a estos “rara avis” no caben las medias tintas, tan sólo el entusiasmo incondicional o el rechazo absoluto. Así pues, desde aquel primer encuentro yo me convertí en uno de los más fervorosos partidarios de Claramunt en la capital, e ingresé de pleno derecho en una secta tan selecta como canija cuyo Intendente Mayor era Eloy el Torero, eximio transportista y la persona que más obras de Claramunt ha porteado por toda España y buena parte de Europa.

El Buque era el título de la obra más impactante de aquel desembarco del 84. …/.. Y sobre el lienzo, aquel carguero bilbaíno aparecía representado en un airoso escorzo- las composiciones en diagonal le privaban- como una enorme bestia agazapada y dispuesta a saltar en cualquier momento sobre el espectador. El negro y el rojo oxidados de la chapa, los celajes plomizos del Cantábrico, el agua aceitosa del puerto, la grisalla, los gruesos y chorreantes brochazos- siempre se definió con humor como “un hombre de brocha”- todo se confabulaba para ofrecernos una imagen dura, oscura, melancólica, de gran fuerza poética y enorme poder de evocación.

Luis arrastraba fama de animal urbanita que él mismo se encargaba de cultivar con fruición. “ Tengo un adoquín en la mesita de noche”, decía. Y bien es verdad que se pasó la vida pateando las calles, frotándose con las esquinas, rozándose con la gente. Pintó innumerables ciudades, paisajes y escenas urbanas, pero no lo es menos que su abanico de intereses era mucho más amplio. También pintó excelentes paisajes del natural, bosques, desiertos, islas volcánicas y barcos, muchos barcos y marinas. Los cronistas de Indias, Conrad, Monfreid o Mac Orlan, estaban entre sus autores de cabecera y a “la línea de sombra” le dedicó series de obras, exposiciones, traducciones y experimentos de artesanía editorial. En 1984, de alguna manera, Luis Claramunt estaba atravesando el paso al ecuador de su carrera, su propia shadow line. …/...

LA MAR DE MÚSICAS / ARTE

JOAQUÍN PÉREZ: PRUEBA DE ESTADO

2009-07-08T13:15:00.000+02:00

MOISÉS RUIZ EN ABBEY ROAD

2009-06-25T13:18:00.001+02:00

ENCAPSULADOS · LA NAVAL EN BERLÍN

2009-06-25T12:40:00.006+02:00

"(...) El montaje quedó estupendo. La Naval portátil adosada al muro, creaba un fuerte impacto visual. La gente se paraba enseguida a ver qué era eso . Otra vez, un montaje con La Naval que ha resultado redondo. En las fotos que te envio, verás que la atamos a un hierro. Lo cierto es que en la caja sólo nos enviaste el hinchable, sin trasera. Casi mejor, pues las obras estaban en el muro directamente. Pasaron un montón de visitantes por el muro que se acercaban y preguntaban qué era eso que teniamos colgado. Muchos, al acercarse a ver las obras, tocaban de paso La Naval, como tocas un flotador para comprobar que está bien hinchado. Grabaron el montaje y desmontaje de la exposición unos documentalistas alemanes."

JC desde Berlín

ENCAPSULADOS

D'A D'ARCHITECTURES 183 · JUNIO/JULIO 09

2009-06-22T20:59:00.004+02:00

La vivienda para un pintor y dos gatos de Martín Lejarraga aparece en la portada e interior del nuevo número de la revista francesa d'a.

"¿Global? Parece un largo tiempo de "estilo internacional". Y, sin embargo, incluso si se tienen las palabras de especifidad y contexto en la boca, la nueva jet-set de la arquitectura nos da a menudo la impresión de clonar el mismo proyecto en todas las capitales del mundo. Por cada Glenn Murcutt que se niega a construir fuera de los territorios que realmente conoce montones de aprendices a Zaha Hadid están dispuestos a hacer cuando se les dice que hagan, reproduciendo todas las marcas para las que a menudo han sido encomendados. La internacionalización de la prensa especializada y la feliz tendencia de los estudiantes europeos, a través de Erasmus, a ir lejos de casa a aprender, han cambiado nuestras representaciones de las identidades locales. Es mucho más difícil de lo que era hace diez años representar un universo de formas y actitudes en la mera mención de la arquitectura española, holandesa o suiza. El diseño de las casas aún se preserva un poco de esta carrera, probablemente debido a que los estilos de vida y hábitos culturales aún impregnan fuertemente el encargo. Algunas casas publicados en este número, uno en Río, otros en Suecia y en España, parecen difícilmente intercambiables."

Caleidoscopio de miradas plurales sobre Marruecos

2009-06-22T09:27:00.003+02:00

La Mar de Arte traerá a Cartagena once muestras de artistas marroquíes y de españoles contemporáneos que ofrecerán diferentes visiones del país invitado.

MARÍA JESÚS GALINDO. La Mar de Arte congregará en Cartagena a partir del próximo jueves y hasta el 31 de agosto once exposiciones que dibujarán una amplia muestra del arte marroquí y de la visión que varios contemporáneos españoles tienen de este país.
Durante dos meses, los fieles a este ciclo del festival La Mar de Músicas, que este año celebra su décimo quinta edición con un especial sobre Marruecos, y los visitantes de la ciudad portuaria, tendrán la oportunidad de disfrutar de la fotografía de Hicham Benohoud, presente en PhotoEspaña 2009, así como de las instalaciones y pinturas de Khalid El Bekay, Monia Touiss o Elías Selfati, incluidos en la muestra 'Artistas marroquíes en España'.
La pintura contemporánea marroquí tendrá un capítulo destacado con una colección del Attijariwafa Bank, en la que figuran autores como Farid Belkahia, Mohamed Abouelouakar y Abbes Saladi, entre otros. Asimismo, el certamen incluirá una selección de los mejores vídeos del festival de artes visuales y nuevos medios de Casablanca, organizado por El Centro de Artes Visuales, Electrónica y Multimedia (Irisson).
El apartado de vídeo contemporáneo también estará representado por artistas como Le Batalett, RoundTrip, Bouchra Khalilli y Solo Valiente, entre otros.
La Mar de Arte se completa además con cinco exposiciones individuales: tres de fotografía, a cargo de José Manuel Navia, Alfredo Cáliz y Rogelio López Cuenca -este último también utiliza el vídeo en sus instalaciones-; y dos pictóricas con Pedro Serna -que inaugura el jueves en Bambara 'Un acuarelista en Marruecos'- y Luis Claramunt.
Además, el colectivo Democracia llevará a cabo en las calles de Cartagena la instalación 'La ciudad como subtexto', que insertará mensajes escritos en árabe en las marquesinas y mupis de la ciudad.

Originalmente en La Opinión

Obras de Rogelio López Cuenca e Hicham Benohoud

VIDEO EXPOSICIONES GONZALO SICRE

2009-06-17T18:39:00.004+02:00

SON de JUAN MANUEL DÍAZ BURGOS

2009-06-14T21:42:00.006+02:00

El próximo martes día 16 de junio a las 20,00 h. en el Palacio Almudí de Murcia, se inaugura una nueva exposición de Juan Manuel Díaz Burgos, SON.

FICHA TÉCNICA DEL CATÁLOGO

Edita: Ayuntamiento de Murcia. Concejalía de Cultura.

Dirección: Martín Páez

Coordinación: Elena García.

Diseño: Severo Almansa y Rosa de la Obra. Asociados.

Paginas: 84 .

Fotos: 39 en color y 20 en B/N.

Tapa dura.

Fotos y Texto: J.M.Díaz Burgos

BARTOLOMÉ ROS, VISIONES DE UNA ÉPOCA CONVULSA

2009-06-14T10:44:00.004+02:00

El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid abrió una exposición que muestra cómo la cámara de Bartolomé Ros retrató la vida cotidiana de los soldados en el protectorado español de Marruecos, así como las visitas de Alfonso XIII a la colonia y las reuniones entre Franco y Millán Astray.

La exposición ofrece una vision de un período agitado de la historia de España de forma meticulosa y documentada. El legado fotográfico de Bartolomé Ros abarca el período histórico que se inició en los últimos días de la Guerra de Marruecos y el inicio de la dictadura de Primo de Rivera, que finalizó este conflicto. Su cámara registró las visitas de grandes figuras al Protectorado español y las reuniones entre Franco y Millán Astray, fundador de la Legión. Ros también fue testigo de los momentos anteriores a la sublevación del ejército español contra la Segunda República. Sus obras de ese período capturaron momentos de gran valor histórico, pero también incluyen escenas de la vida cotidiana de los soldados anónimos, que se representan con el exquisito rigor formal y documental que caracteriza la fotografía de su época. Esta exposición pone de relieve la personalidad refinada de su obra fotográfica y la mirada de un hombre de convicciones liberales que vivió a través de los tiempos más tumultuosos en la historia de la España del siglo XX.

Bartolomé Ros (1906-1974) nació en Cartagena, pero vivió en Ceuta desde 1918 hasta mediados de los 50. Fue allí donde descubrió la fotografía y comenzó a documentar a civiles y militares de la sociedad ceutí. Ros trabajó para el ejército fotografiando instalaciones militares y sus actos, una actividad que completará mediante la contribución a periódicos y revistas como ABC, Mundo Gráfico y Blanco y Negro. Publicó un famoso ensayo fotográfico sobre España en la edición norteamericana de la National Geographic. En la década de 1930, fundó Laboratorios Ros, una empresa pionera en la distribución y transformación de material fotográfico.

(Publicado originalmente en ARTDAILY)

FUTURO MUCAM

2009-06-13T10:51:00.002+02:00

Proyecto del estudio Amann-Canovas-Maruri para el Museo de Arte Contemporáneo de la Región de Murcia, que incluye la recuperación del anfiteatro y coso de Cartagena.

"El Anfiteatro y parte de la plaza quedarán integrados en un complejo formado por cuatro edificios nuevos: un centro de interpretación turística, el museo (de 4.000 metros cuadrados), un centro para exposiciones temporales y un auditorio al aire libre.
La plaza conservará sus estructuras básicas, como sus muros cilíndricos y los accesos. Pero perderá elementos añadidos en la restauración de 1911, como la portada. Las andanadas, afectadas de aluminosis, también serán retiradas.
Para el Mucam se aprovecharán las estructuras antiguas como área de equipamientos. En el interior de los anillos de conexión estará la zona de comunicaciones y pequeñas salas de exposición. Apoyado en la plaza estará un edificio de nueva planta con las grandes salas.
Otro edificio con salas de exposiciones temporales y dependencias como sala de conferencias, restaurantes, y los servicios generales del Mucam, se alzará en el callejón del Chiquero.
Una de las características más originales del proyecto es que el complejo cultural tendrá un auditorio al aire libre y desmontable, aprovechando parte del graderío de la plaza. Tendrá 1.200 localidades. Cada edificio tendrá entradas independientes.
La lectura conseguida por los arquitectos es la recuperación de dos edificios históricos (Anfiteatro y coso) que están superpuestos. Ambos conservarán su geometría principal y sus principales características." LA VERDAD 27.07.08

LA NAVAL 36, JUNIO 09

2009-06-11T09:02:00.005+02:00

La Naval 36 incluye collages inéditos de Tomás Mendoza y textos de Alfred Kubin.

Materia gris encendida de Tomás Mendoza

MANIFESTA 8

2009-06-09T17:10:00.005+02:00

Announcement of new collaborative model for Manifesta 8: The Region of Murcia is selected as Host Region for MANIFESTA 8 in dialogue with Northern Africa

MANIFESTA aims to constantly reinvent its own curatorial methodology and exhibition model. In the past 15 years, Manifesta has moved from the more representational format of the first five editions, to the reflective format of a school in Manifesta 6, to the emphasis on site specific artistic production and the use of public spaces in Manifesta 7. Now, after Manifesta 7 in the 'heart of Europe', Manifesta 8 will explore the idea of Europe in the 21st century at the edges of the continent. More specifically, the aim of Manifesta 8 will be to engage with Europe's present-day boundaries with Northern Africa and its interrelations with the Maghreb region. The South of Spain, specifically Al-Andalus, has been a historical blend of Islamic, Judaic and Christian cultural influences co-existing together. This is an inspirational organic ground on which the next Manifesta 8 biennale can explore new topologies and journeys.
The intellectual and artistic context of Manifesta, as well as its social and political issues become more relevant than its economical potential when put in relation to other continents. Common European issues like migration and water are a necessary pre-condition for the existence of a natural as well as an economic system. The Autonomous Province of Murcia is an example of how an European borderline area, positioned in the East of Spain and close to the coast line of Northern Africa, is coping effectively with a growing number of issues, which are also felt and dealt with in the rest of Europe. water and migration are the main issues and also important economic factors, essential for agriculture. The city of Murcia is located 30 miles from the Mediterranean sea and is connected to the shore through the city of Cartagena, the former Roman Cartago Nova, one of the most important Iberian cities of the Roman Empire.

Manifesta Curatorial Selection

Besides Manifesta's inherent dynamic of change based on its geopolitical itinerant model, Manifesta also aims to experiment with innovative curatorial models and methodology. Previously, the Board and the Director of the International Foundation Manifesta as well as the coordinator of Murcia made a pre-selection of candidates, and then, after an intense process of interviews, individual candidates were selected for the Curatorial Team in which they were partially independent, partially bound to create collaborative structures with the other members of the team.

Under the new Manifesta 8 approach, the Board is not inviting individual art professionals for the position of Curator, rather Manifesta is inviting existing curatorial groups, artistic and interdisciplinary collectives and/or existing institutions to be part of the Curatorial Team of Manifesta 8 in order to take note of the present tendency of self-origination and to stimulate a collaborative working method connecting different geo-political regions. After a thorough and wide-ranging investigation, at this stage a number of selected collectives are being invited to submit a proposal.

Manifesta 8 is an initiative of the International Foundation Manifesta in Amsterdam, The Netherlands and the Autonomous Region of Murcia, Spain.

Manifesta 8 will take place in the autumn of 2010 during 100 days of existence. The exact dates will be announced at a later stage.

TRADUCIDO POR EL TRADUCTOR DE GOOGLE

DÍAZ BURGOS EN CASA DORDA

2009-06-06T10:31:00.003+02:00

Como ya hiciera anteriormente en otras localizaciones (Refugios de la Guerra Civil, Cuartel de Antiguones, Hospital Militar, etc*) el fotógrafo Juan Manuel Díaz Burgos se encuentra estos días documentando las obras de rehabilitación que se llevan a cabo en la Casa Dorda de Cartagena.

*Publicado en los libros Fachadas I y Fachadas II

MARTÍN LEJARRAGA FINALISTA EN LA X BIENAL DE ARQUITECTURA

2009-06-04T13:52:00.004+02:00

MURCIA, 4 Mar. (EUROPA PRESS) - El jurado de la X Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo (BEAU) ha seleccionado los 34 proyectos finalistas que participarán en esta edición, a la que se han presentado 513 obras, un centenar más que la media de ediciones anteriores. Entre las obras seleccionadas se encuentra una vivienda de Cartagena, obras del arquitecto Martín Lejarraga, según informaron fuentes de la Delegación del Gobierno en una nota de prensa. Entre los finalistas hay desde proyectos de viviendas protegidas a teatros, instalaciones deportivas e incluso un puente, siendo en su mayoría, edificios de uso residencial o cultural. Del conjunto, 31 están repartidos por el territorio nacional y tres han sido construidos en el extranjero: en Holanda, China y Alemania. Los miembros del jurado, integrado por representantes del Ministerio de Vivienda y del resto de instituciones organizadoras de la BEAU y por arquitectos y expertos en arquitectura, volverán a reunirse a finales de mes para elegir a los ganadores de los premios de Arquitectura, Arquitectura Joven, Vivienda de Protección Oficial y Urbanismo y Construcción de Ciudad. La entrega de galardones tendrá lugar en julio durante la celebración de la X BEAU en el Palacio de Sobrellano de Comillas (Cantabria). La exposición se enmarcará en las actividades organizadas por Universidad Internacional Menéndez Pelayo. La BEAU es una iniciativa del Ministerio de Vivienda en colaboración con el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España (CSCAE), la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP), la Universidad de Alcalá, el Colegio Oficial de Arquitectos de Cantabria (COACAN), la Federación Española de Municipios y Provincias (FEMP). En esta edición se han sumado también la Fundación Caja de Arquitectos y la Empresa Municipal de la Vivienda y el Suelo de Madrid. Su objetivo es divulgar y premiar los proyectos de arquitectos españoles desarrollados dentro y fuera del país así como los de estudios extranjeros construidos en nuestro territorio. La selección de las obras más representativas ejecutadas en cada bienio se recoge en una exposición itinerante, un catálogo y en la web

Más información

BIENAL X

JOHN VAN SICKLE + CHARRIS

2009-06-04T11:19:00.004+02:00

Ya está en la calle el nuevo libro de La Naval con texto de John Van Sickle e imágenes de Ángel Mateo Charris.

"Charris surge como un controlador de señales de la esencia misma de la cognición, con una vuelta de tuerca más en la teoría cognitiva: que la esencia de la cognición es la analogía y que la analogía es visual en su esencia. Douglas Hofstader, un defensor de los estudios cognitivos, afirma en una conferencia presidencial de Stanford (2006): No se debe plantear la creación de analogías como una manera especial de razonar (como en la expresión aburrida y poco inspiradora, “razonamiento analógico y resolución de problemas", un tópico arraigado en el mundo de la ciencia cognitiva), porque eso sería una injusticia hacia la analogía… Para mí, sin embargo, la analogía es…el mismísimo azul que llena el cielo entero de la cognición - la analogía lo es todo, o prácticamente todo, (...)"

John Van Sickle

Español/inglés. 120 páginas
Texto: John Van Sickle

Traducción: Rachel Miller

Diseño editorial: La Naval

Impresión: Pictografía

ISBN: 978-84-613-2680-8

D.L.: MU-1.672-2009

Edita: La Naval

ESPEGEL EN GALERÍA LA NAVAL

2009-06-01T10:59:00.007+02:00

"El Concurso de la Plaza de Toros de Palencia quería ser un manifiesto en contra de la separación tradicional entre la teoría y la práctica proyectuales. Por eso se propuso la construcción de 20 variaciones. En cierto modo se buscaban los infinitos proyectos posibles, una suerte de muestrario de los diversos registros comunicativos, una especie de “proyecto automático”, la arquitectura potencial que un proyecto alberga. Pero en el camino nace otro juego que proviene de la relación entre las distintas proposiciones que, a veces, construye la siguiente variación o bien recopila algunas cuestiones propuestas en anteriores variaciones."

CARMEN ESPEGEL

"Estoy muy orgulloso de haber trabajado mucho sin darme cuenta"

2009-06-01T10:50:00.008+02:00

Malick Sidibé trajo a Cartagena hace unos años, coincidiendo con el festival La Mar de Músicas, su vitalista visión de los africanos, tal y como a ellos les gusta ser vistos, ajena a la mirada colonialista y paternal del artista occidental.

Ahora expone en la Galería Oliva Arauna de Madrid.

[¿No lamenta no haber indagado en esa cara, menos amable, de la pobreza?

Ese es un concepto introducido por el hombre occidental. Pobre es quien conoce la pobreza. Si uno no se siente pobre, no lo es. Mientras uno coma, nunca es pobre.

Su trabajo le reportó en 2007 el León de Oro de la Bienal de Venecia.

¡Eso fue sorprendente! Recibí la enhorabuena de fotógrafos italianos y españoles. Estoy muy orgulloso de haber trabajado mucho sin darme cuenta.

Ver entrevista completa en PÚBLICO]

LORIS GRÉAUD EN LA CONSERVERA

2009-05-30T11:39:00.011+02:00

El artista francés Loris Gréaud, uno de los seleccionados en la muestra Younger than Jesus del New Museum of Contemporary Art de Nueva York y que pretende ser el fresco generacional del momento, es uno de los encargados de abrir la programación del nuevo centro de arte La Conservera de Ceutí.

En las imágenes, página del artista en el catálogo de la muestra americana y una versión parisina de Cellar Door, presente en la exposición de La Conservera.

Miguel Ángel Martínez obtiene el Premio de Fotografía de la Universidad de Murcia

2009-05-29T10:49:00.006+02:00

Miguel Ángel Martínez Pérez ha obtenido el IX Premio de Fotografía de la Universidad de Murcia, que está dotado con 1.800 euros y que patrocina la galería “Art-Nueve”.
El jurado acordó conceder otras tantas menciones honoríficas a Pablo García Mateo, de Murcia; Lucía Carretero Adelantado y Ferrán Giménez López, de Barcelona, y Cecilia de Val Arruebo, de Zaragoza.
La obra premiada y las distinciones con las menciones honoríficas, junto con otras seleccionadas, formarán una exposición que se organizará próximamente.
A esta novena edición del premio se presentaron un total de ciento cuarenta participantes

TOMÁS MENDOZA, PREMIO ADQUISICIÓN CERTAMEN UNED

2009-05-28T16:21:00.007+02:00

FALLO DEL JURADO DEL XIX CERTAMEN DE ARTES PLÁSTICAS DE LA UNED

El pasado día 18 de mayo un jurado compuesto por: Antonio Pérez Pérez, Víctor Nieto Alcaide, Simón Marchán Fiz, Miguel Romero Sáiz y Michel Sarre dio a conocer en Cuenca el fallo del XIX Certamen de Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Educación a Distancia, por el que la UNED comprará la siguientes obras:

Tomás Mendoza Arracó: Natalia. Lienzo. 2008.

Manuel Saro: La galería de un coleccionista, 62. Acrílico sobre lienzo. 2008.Laura Blasco Fernández: No. Óleo sobre policarbonato. 2009.

UNA CUESTIÓN DE SUERTE de CHARRIS en VUELA PLUMA EDICIONES

2009-05-27T14:58:00.014+02:00

Normalmente pienso mucho mis obras. Necesito tener bien claras las cosas antes de empezar, hacer bocetos previos y tener bastante controlado el proceso. Pero hay veces que del accidente y el azar surgen las cosas más interesantes: en los caminos desechados y en los pequeños atajos imprevistos aparecen nuevos territorios por explorar.
Así que de vez en cuando hay que ejercitarse también en el caos y el patinaje sobre hielo, abandonarse y empezar -a vuela pluma- a seguir los caprichos del ojo, ese cerebro con patas. Si fuera un informalista ya sabemos adónde nos llevaría eso, del chorrete al vomitón más o menos exaltado, pero siendo un pintor figurativo tengo que acarrear con mi mochila cargada de memoria y de significado, de apariencias visuales y sombras cosidas a las imágenes.
Hay muchas formas de salir de la rutina y de jugar con la suerte y las casualidades: desde los cadáveres exquisitos surrealistas a los quebrantahuesos del poeta Nicanor Parra, desde observar las imperfecciones y manchas de la pared, como recomienda Leonardo da Vinci, a la lotería y la ruleta rusa con pincel.Yo he intentado mis propias maneras de hacerlo y donde el italiano escrutaba desconchones yo me he dejado sorprender en los océanos de internet, jugando caprichosamente con palabras y búsquedas, consiguiendo cómplices que me sorprendieran y liaran, jugando con mis propias obras al ping pong, dejándome llevar por la intuición y aceptando la incertidumbre.
Aunque la mayoría de las obras que recoge esta publicación han sido expresamente realizadas para ella, hay también secuelas y antecedentes de piezas y series. Como en un encadenado continuo unos trabajos llevan a otros y todo se convierte en un flujo: el agua no tiene huesos y todos los ríos, lagos y mares acaban encontrándose.
Habrá entre estas piezas apresuradas, como en las otras más pensadas, mejores y peores, algunas que espero consigan conectar con alguien -ojo con ojo- y otras que no, y es que encontrar una perla dentro de una ostra es siempre una cuestión de suerte.
CHARRIS

VUELA PLUMA Ediciones

Editorial madrileña especializada en ediciones de libros de artista.Cada libro tiene una tirada de 300 ejemplares, cada uno firmado y numerado por el autor.Los primeros 100 ejemplares incluyen una obra gráfica también firmada y numerada.Libros publicados • Precio de cada ejemplar incluyendo una obra gráfica: 185€
• Precio de cada ejemplar sin obra gráfica: 65€
• (gastos de envío no incluidos)
La colección 1. 103 imágenes que riman - Sean Mackaoui 2. Idea - Guillermo Pérez-Villalta 3. Apuntes - Xavier Mariscal 4. Una cuestión de suerte - Ángel M. Charris

EL DESEO en SALA EFTI

2009-05-27T14:51:00.002+02:00

Juan Manuel Díaz Burgos, en EFTI

La colección de fotografías que Juan Manuel Díaz Burgos presenta en esta exposición bajo el título de El deseo, se expande desde lo anecdótico hasta el documento social y se desgaja, casi literalmente, de otros proyectos como Raíz de Sueños (1992-1995) – realizado en la República Dominicana- o La Habana, visión interior (1997-2002); podría decirse que se han rescatado imágenes de temática común -la seducción y el deseo-, tomadas a lo largo del tiempo por un impenitente cazador de momentos.

Alejandro Castellote

GONZALO SICRE EN CARTAGENA

2009-05-27T10:17:00.007+02:00

Tres salas públicas de Cartagena (Palacio Consistorial, Palacio de Molina y Muralla Bizantina), acogen la exposición del artista Gonzalo Sicre patrocinada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Cartagena y comisariada por el director de la Galería My Name´s Lolita Art Ramón García Alcaraz. Se ha editado un catálogo que incluye textos de Miguel Fernández-Cid y Andrés Ibañez.

La muestra consta de alrededor de un centenar de obras de cuya vision se podrá disfrutar hasta el 25 de junio de 2009.

JEAN HUGO Y CARMEN ESPEGEL EN LOS NUEVOS NÚMEROS DE LA REVISTA LA NAVAL

2009-05-27T09:43:00.009+02:00

Nuevos números de la revista La Naval dedicados a Jean Hugo (Nº 34) y Carmen Espegel, del estudio Espegel-Fisac (Nº 35).

ANALÓGICO

2009-05-26T20:23:00.021+02:00

La exposición de Ángel Mateo Charris en la galería Alfredo Viñas de Málaga se compone básicamente de piezas realizadas en el último año, aunque se establecen a veces analogías con otras datadas en fechas anteriores.
Y no es el único sentido en el que se usa la palabra que da título a la exposición –Analógico– sino que también podemos acercarnos a algunas obras en su calidad aparente de falta de lógica, o como relaciones de sentido entre títulos y contenidos de las piezas, y más allá, en la acepción que le atribuyen algunos músicos y críticos a la calidad del sonido analógico frente al digital, lo natural frente a lo sintético, lo natural frente a lo artificial. La pintura sería a las nuevas tecnologías como el sonido analógico al digital (*otra analogía). El artista juega con el pensamiento analógico tanto como con las combinaciones de color, los cambios de escala y la Historia, y, como en el modelo científico con el que se emparenta no ofrece certezas sino intuiciones, opiniones antes que dogmas, cosquillas antes que mármol.Pero del gran formato al pequeño o del lienzo al papel, la muestra recoge toda la serie de constantes habituales en la obra de Charris: de los juegos de significado a las referencias cruzadas, de las paradojas visuales a la formulación de la pintura como un género de géneros, capaz de contener en sí misma todas las inquietudes y derivas de la creación contemporánea.El pintor de Cartagena apuesta por esconder toda la tramoya de sus intereses y formulaciones en un envoltorio que busca lo claro (también en sus varias acepciones), lo plano y lo emocionante. LA NAVAL editará próximamente un libro con el mismo título y texto de John Van Sickle (escritor y profesor en The City of New York University).

www.lanaval.com

GALERÍA ALFREDO VIÑAS

José Denís Belgrano, 19 - 1º29015 MÁLAGA Inauguración: viernes 22 de mayo de 2009a las 20,00 horasHasta el 22 de junio de 2009 Horario: mañanas de 11,00 a 13,00 htardes de 18,00 a 21,00 hsábados de 11,00 a 13,00 domigos y festivos cerrado.

www.charris.es

CONFERENCIA CARMEN ESPEGEL

2009-05-26T20:20:00.004+02:00

FACHADAS Y FACHADAS II

2006-08-22T12:32:00.002+02:00

Fachadas
Características: 104 páginas.
103 x 75 mm. Español/inglés.
Edita: La Naval.
Muralla del Mar, 1 30202 Cartagena.
Fotografías: Juan Manuel Díaz Burgos.
Texto: Vicente Verdú.
Traducción: Rachel Millar.
Diseño: Charris.
Impresión: Galindo artes gráficas.
ISBN: 84-609-8334-X

Fachadas II
Características: 104 páginas.
103 x 75 mm. Español/inglés.
Edita: La Naval.
Muralla del Mar, 1 30202 Cartagena.
Fotografías: Juan Manuel Díaz Burgos.
Texto: Federico Soriano.
Traducción: Rachel Millar.
Diseño: Charris.
Impresión: Galindo artes gráficas.
ISBN: 84-611-1752-2

FACHADAS

2006-08-20T23:06:00.001+02:00

El proyecto “FACHADAS” surge de la idea e iniciativa del arquitecto Martín Lejarraga. En 2.003 encarga a J. M. Díaz Burgos la realización de un trabajo en donde pueda interpretar con plena libertad, la actuación y vida que se manifiesta en torno a las obras que en ese momento acomete. La primera fase de este proyecto se desarrolla durante las actuaciones de rehabilitación de los túneles de la calle Gisbert, antigua sala de Auptósias, y construcción de un ascensor al aire libre que comunique esta calle con el parque Torres de la ciudad de Cartagena.

Una selección de este trabajo se inaugura en la sala “La Naval” en Marzo de 2.004. Publicándose en varias revistas especializadas, entre las que destaca “Oris” en Croacia.

El proyecto prosigue con la rehabilitación que durante los años 2.004 y 2.005 M. Lejarraga realiza del antiguo cuartel de Antigüones del siglo XVIII, para convertirlo en espacio universitario de la Politécnica de Cartagena.

Esta nueva fase del proyecto se inaugura en la misma sala “La Naval” el 20 de Diciembre de 2.005. Aprovechando esta ocasión para presentar la publicación correspondiente a la primera fase. El diseño es obra del prestigioso pintor cartagenero Ángel Mateo Charris, y con un formato especial de 7x10 cm. la peculiar publicación recoge más de 50 imágenes del proyecto, y la publicación del escritor Vicente Verdú, que con titulo “Manifiesto Personal” escribe, …La muestra, pues, que se anuncia con el nombre de Fachadas no hace tanto evocación de una superficie opaca como a su carácter de cartel o anuncio de un interior donde se funde la carne con la piedra, la vista con las vistas, el ser y el albañil.

La unión formada por arquitecto y fotógrafo tiene vocación de futuro, por lo que el proyecto continua con otras propuestas y espacios.

VERBIS: CAMPO-OPTICO

2006-08-20T23:04:00.001+02:00

DANIEL VERBIS EN GALERÍA LA NAVAL

2006-08-20T22:55:00.002+02:00

DANIEL VERBIS
Campo-Óptico
Galería La Naval
Muralla del Mar, 1 Cartagena.
Inauguración: viernes 28 de abril, a las 20’30 horas.

Daniel G. Verbis es uno de los principales renovadores del medio pictórico en el panorama español de los últimos años. Ha ampliado su paleta con elementos menos fluidos que los del óleo o el acrílico: plásticos, maderas, elementos industriales, tubos, luz… saliéndose en muchas ocasiones del reducido marco del horizonte cuadrado e inundando paredes, suelos y espacios. Como él mismo dice: “tienes el espacio y lo que tienes que hacer es que se sucedan los acontecimientos plásticos”.
Lo pudimos ver recientemente en la sección Dieciséis proyectos de arte español, comisariado por María Corral, en la feria de ARCO, y prepara en la actualidad una muestra que se inaugurará en el MUSAC de León el próximo mes de septiembre.

Verbis inaugura el nuevo espacio expositivo de La Naval, probablemente la galería más pequeña del mundo, con un proyecto especialmente diseñado para la ocasión. Y el ser pequeños no nos impide pensar en grande, y como recordábamos en el número 0 de la revista La Naval: la pulga es el único animal que no tiene pulgas.

Ficha de Daniel Verbis en la web del Museo Patio Herreriano de Valladolid:
“Daniel Verbis. León, 1968.
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en 1991, su carrera como artista arranca exponiendo desde 1990, entrando y saliendo de las fronteras del lienzo a lo largo de este tiempo y trabajando con otros soportes más cercanos a la escultura desde sus inicios. La experimentación con materiales no pictóricos pero llevados a la formalidad de su presentación en pared ha marcado su trayectoria hasta el momento. Utilizando materiales perecederos y de uso cotidiano como materiales de seducción, la forma, el color y las texturas son los imanes que atrapan al espectador al presenciar sus obras, de gran formalidad estética. Gomas elásticas, tubos de plástico, hilos de colores, lonetas, plastilinas, pueden llegar a la tridimensionalidad o a representarse como piezas que son más formalmente esculturas que pinturas, pero siempre en una ambigüedad que, en sus exposiciones, nos obligan a mirar paredes, suelo e incluso techo. Como dice él mismo en cuanto se plantea una exposición: “tienes el espacio y lo que tienes que hacer es que se sucedan los acontecimientos plásticos”. Verbis prima la seducción del resultado que la idea que pueda trascender por debajo de la obra. Verbis es premio de pintura L’Oreal 1998 y en el año 2001 ha disfrutado de la beca Endesa. VT & CB “

DECLARACIÓN DE INTENCIONES LA NAVAL

2006-08-20T20:19:00.002+02:00

Ésta es, posiblemente, la revista más pequeña del mundo. Cubre un hueco absolutamente innecesario dentro del panorama editorial: el del bolsillo de la camisa, y está pensada, lo que es mucho decir, para su uso en transportes públicos, consultas, cuartos de baño, salas de espera y velatorios: espacios en tránsito para lectores en tránsito. Nuetro ánimo no es edificante ni nuestra intención lucrativa (por pura cordura), pero hay algunas cosas que noc gustaría contar, alguna otra que defender y muchas que compartir. Reconocemos nuestra deuda con la hoja parroquial, el panfleto, el Selecciones y con las viejas publicaciones vanguardistas (ultraístas, creacionistas futuristas, hermanos, hacednos un lado junto a la lámpara Osram iridiscente).
Esperamos hacernos un sitio en las maletas de espedicionarios, poetas, solitarios, domadores de pulgas y cazadores de tormentas. No mendigamos anuncios, ni acptamos subvenciones, con lo que nuestra singladura se presenta tormentosa y tal vez breve: preferimos siempre el esplendor fugaz a una larga existencia de lamparilla devota. Sudaremos tinta y quemaremos ordenadores, contaremos cuentos y te enseñaremos trucos de magia: somos orgullosa carne de papelera y semilla de futuro. Con un ojo atrás y otro adelante buscaremos nuevas lunas a las que pisar y nuevas tierras que avistar. Tienes en tus manos la, posiblemente, revista más pequeña del mundo, pero eso no nos hace enanos ni mezquinos: la pulga es el único animal que no tiene pulgas.

Editorial del número 0 de La Naval. Prensa de la república de Cartagena. Abril de 1995.

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2006-08-18T22:36:00.001+02:00

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